Пушкинская карта
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ КУЛЬТУРЫ ТВЕРСКОЙ ГОРОДСКОЙ МУЗЕЙНО-ВЫСТАВОЧНЫЙ ЦЕНТР
 | УПРАВЛЕНИЕ ПО КУЛЬТУРЕ, СПОРТУ И ДЕЛАМ МОЛОДЕЖИ АДМИНИСТРАЦИИ Г. ТВЕРИ https://ksm.tver.ru/ 8-4822-36-16-92 |
30 апреля 2020
30 апреля 1918 года решением Наркома просвещения в Петрограде была образована киностудия «Ленфильм».
Изначально киностудия называлась Петроградский кинокомитет Союза Северных Коммун, а затем в разные годы название менялось. Своё имя «Ленфильм» она носит с 1934 года.
Первый художественный фильм – картина «Уплотнение» – вышел на киностудии в 1918 году. Эмблема киностудии «Медный всадник» была создана художником М.Бологовской и оператором Э.Штырцкобером и впервые появилась в титрах фильма «Рабочий поселок» в 1965 году.
Киностудия подарила стране не один десяток киношедевров. Среди самых известных картин, созданных на «Ленфильме» – «Депутат Балтики» и «Петр Первый», «Дело Румянцева» и «Дама с собачкой», «Гамлет» и «Король Лир», «Чапаев» и «Обломок империи», «Свадьба в Малиновке» и «Человек-амфибия», «Начальник Чукотки» и «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона», «Член правительства» и «Большая семья», «Соломенная шляпка» и «Собака на сене», «Полосатый рейс» и «Особенности национальной охоты», «Итальянец» и многие другие.
Изначально киностудия называлась Петроградский кинокомитет Союза Северных Коммун, а затем в разные годы название менялось. Своё имя «Ленфильм» она носит с 1934 года.
Первый художественный фильм – картина «Уплотнение» – вышел на киностудии в 1918 году. Эмблема киностудии «Медный всадник» была создана художником М.Бологовской и оператором Э.Штырцкобером и впервые появилась в титрах фильма «Рабочий поселок» в 1965 году.
Киностудия подарила стране не один десяток киношедевров. Среди самых известных картин, созданных на «Ленфильме» – «Депутат Балтики» и «Петр Первый», «Дело Румянцева» и «Дама с собачкой», «Гамлет» и «Король Лир», «Чапаев» и «Обломок империи», «Свадьба в Малиновке» и «Человек-амфибия», «Начальник Чукотки» и «Приключения Шерлока Холмса и доктора Ватсона», «Член правительства» и «Большая семья», «Соломенная шляпка» и «Собака на сене», «Полосатый рейс» и «Особенности национальной охоты», «Итальянец» и многие другие.
29 апреля 2020
29 апреля в 2000 года Германия передала России фрагменты подлинной Янтарной комнаты.
Янтарная комната была создана для прусского короля Фридриха I, затем подарена Петру I, после чего дополнена зеркальными пилястрами, золочёной деревянной резьбой и мозаичными картинами из агата и яшмы под руководством Ф.Б. Растрелли. Но при жизни Петра янтарный кабинет так и не был установлен. Дочь Петра I – Елизавета – решила использовать его для убранства своей официальной резиденции.
Во время Великой Отечественной войны Янтарную комнату в ряду других наиболее ценных экспонатов не смогли вывезти в тыл из-за хрупкости деталей. Тогда ее законсервировали, оклеив бумагой, марлей и ватой. Однако оккупанты вывезли ее в Кенигсберг.
Похищенные янтарные панно и двери были смонтированы в одном из залов Кенигсбергского замка. Они стали лучшим украшением работавшего там музея. Когда немецкие войска отступали, комната была демонтирована и вывезена в неизвестном направлении.
Поиски Янтарной комнаты были начаты почти сразу после взятия Кенигсберга и продолжались много лет, но комната не была найдена...
В 1997 году немецкие власти конфисковали фрагменты мозаики Янтарной комнаты у некоего нотариуса. Как оказалось, нотариусу ее передал на временное хранение немецкий офицер, который и участвовал в вывозе Янтарной комнаты из Царского Села.
В 2003 году, к 300-летию Санкт-Петербурга, Янтарная комната была восстановлена в полном объёме (из калининградского янтаря), в том числе на деньги немецкой стороны. В настоящее время она доступна для посещения в Екатерининском дворце.
Янтарная комната была создана для прусского короля Фридриха I, затем подарена Петру I, после чего дополнена зеркальными пилястрами, золочёной деревянной резьбой и мозаичными картинами из агата и яшмы под руководством Ф.Б. Растрелли. Но при жизни Петра янтарный кабинет так и не был установлен. Дочь Петра I – Елизавета – решила использовать его для убранства своей официальной резиденции.
Во время Великой Отечественной войны Янтарную комнату в ряду других наиболее ценных экспонатов не смогли вывезти в тыл из-за хрупкости деталей. Тогда ее законсервировали, оклеив бумагой, марлей и ватой. Однако оккупанты вывезли ее в Кенигсберг.
Похищенные янтарные панно и двери были смонтированы в одном из залов Кенигсбергского замка. Они стали лучшим украшением работавшего там музея. Когда немецкие войска отступали, комната была демонтирована и вывезена в неизвестном направлении.
Поиски Янтарной комнаты были начаты почти сразу после взятия Кенигсберга и продолжались много лет, но комната не была найдена...
В 1997 году немецкие власти конфисковали фрагменты мозаики Янтарной комнаты у некоего нотариуса. Как оказалось, нотариусу ее передал на временное хранение немецкий офицер, который и участвовал в вывозе Янтарной комнаты из Царского Села.
В 2003 году, к 300-летию Санкт-Петербурга, Янтарная комната была восстановлена в полном объёме (из калининградского янтаря), в том числе на деньги немецкой стороны. В настоящее время она доступна для посещения в Екатерининском дворце.
28 апреля 2020
28 апреля в 1946 году советские зрители увидели фильм – сказку "Каменный цветок" режиссера Александра Птушко.
"Каменный цветок" - первая советская игровая картина, снятая на цветной пленке.
В послевоенной разоренной стране делать кино было почти невозможно, поэтому снимали в Чехословакии, где на студии "Баррандов" была сосредоточена вся германская кинопромышленность. Помимо павильонов задействовали и природный чехословацкий заповедник, так что сталактиты со сталагмитами в фильме - настоящие. Не обошли вниманием и Урал. Поэтому и малахит в фильме - уральский, тот самый, красивый и целебный.
"Каменный цветок" имеет еще одно несомненное достоинство. Бажов был еще жив, и его заслуга в том, что декорации и костюмы соответствуют эпохе, времени и месту. И повседневная, и праздничная одежда - всё тонко и бережно учтено. Костюмы шились из материалов, сохранившихся с довоенной поры.
Чтобы избежать гипертрофии цвета, появившейся в цветной кинематографии, советские художники условно разделили фильм на три основные цветовые темы:
Первая, в начале фильма, опиралась на картины передвижников и русскую историческую живопись. В кадре преобладают густые коричневые оттенки с небольшим количеством холодного цвета.
Вторая живописная тема (в центральной части фильма) была заимствована у Кустодиева, Малявина, Рябушкина и других. В костюмах появляется много красного цвета в сочетании с перламутрово-белым, что создает у зрителя праздничное, приподнятое настроение.
Для третьей части фильма, в которой показано подземное царство Хозяйки Медной горы, художники создали мистическо-серебристую атмосферу, которую эффектно подчеркивали кристаллы различных пород хрусталя и глыбы малахита.
Художники картины блестяще справились со сложной задачей - об этом говорит первая премия на Международном фестивале 1946 года в Каннах за лучший цвет.
"Каменный цветок" - первая советская игровая картина, снятая на цветной пленке.
В послевоенной разоренной стране делать кино было почти невозможно, поэтому снимали в Чехословакии, где на студии "Баррандов" была сосредоточена вся германская кинопромышленность. Помимо павильонов задействовали и природный чехословацкий заповедник, так что сталактиты со сталагмитами в фильме - настоящие. Не обошли вниманием и Урал. Поэтому и малахит в фильме - уральский, тот самый, красивый и целебный.
"Каменный цветок" имеет еще одно несомненное достоинство. Бажов был еще жив, и его заслуга в том, что декорации и костюмы соответствуют эпохе, времени и месту. И повседневная, и праздничная одежда - всё тонко и бережно учтено. Костюмы шились из материалов, сохранившихся с довоенной поры.
Чтобы избежать гипертрофии цвета, появившейся в цветной кинематографии, советские художники условно разделили фильм на три основные цветовые темы:
Первая, в начале фильма, опиралась на картины передвижников и русскую историческую живопись. В кадре преобладают густые коричневые оттенки с небольшим количеством холодного цвета.
Вторая живописная тема (в центральной части фильма) была заимствована у Кустодиева, Малявина, Рябушкина и других. В костюмах появляется много красного цвета в сочетании с перламутрово-белым, что создает у зрителя праздничное, приподнятое настроение.
Для третьей части фильма, в которой показано подземное царство Хозяйки Медной горы, художники создали мистическо-серебристую атмосферу, которую эффектно подчеркивали кристаллы различных пород хрусталя и глыбы малахита.
Художники картины блестяще справились со сложной задачей - об этом говорит первая премия на Международном фестивале 1946 года в Каннах за лучший цвет.
27 апреля 2020
27 апреля в 1791 году родился Сэмюель Финли Бриз Морзе - американский изобретатель и художник, основатель Национальной академии рисунка США, профессор живописи и рисования Нью-Йоркского университета.
Наиболее всемирно известные изобретения – электромагнитный пишущий телеграф (Аппарат Морзе) и код (Азбука Морзе).
Сын священника, ставший художником; художник, ставший изобретателем; изобретатель, ставший богачом; богач, ставший благотворителем, – и это всё Морзе!
В Америке его исторические полотна вызывали восхищение – но плохо раскупались: современников молодого художника больше привлекала возможность увековечить себя в портретах. Морзе получал 60 долларов за портрет и мог писать по 4 полотна в неделю.
В 1829 году Морзе едет в Европу, чтобы создать картину, которая заинтересовала бы Америку, никогда не видевшую ни в копии, ни в подлиннике «Мону Лизу», «Тайную вечерю» и другие произведения мирового искусства. Он написал полотно «Галерея Лувра», в поле картины с изображением Квадратного Салона ему удалось вместить много луврских шедевров.
В 1832 году Морзе, преисполненный надежд, упаковал холсты и возвращался в Америку. Взойдя на борт корабля художником, он высадился на берег изобретателем.
Во время плавания зашел разговор об опытах по электромагнетизму – «извлечение искр из магнита» было одним из чудес того времени. Морзе высказал предположение, что сочетание искр может быть использовано как код для передачи сообщений по проводам. Эта идея захватила его, несмотря на то, что ему были почти неизвестны даже основы электричества.
24 мая 1844 года он послал первое телеграфное сообщение: «Чудны дела твои, Господи!».
Наиболее всемирно известные изобретения – электромагнитный пишущий телеграф (Аппарат Морзе) и код (Азбука Морзе).
Сын священника, ставший художником; художник, ставший изобретателем; изобретатель, ставший богачом; богач, ставший благотворителем, – и это всё Морзе!
В Америке его исторические полотна вызывали восхищение – но плохо раскупались: современников молодого художника больше привлекала возможность увековечить себя в портретах. Морзе получал 60 долларов за портрет и мог писать по 4 полотна в неделю.
В 1829 году Морзе едет в Европу, чтобы создать картину, которая заинтересовала бы Америку, никогда не видевшую ни в копии, ни в подлиннике «Мону Лизу», «Тайную вечерю» и другие произведения мирового искусства. Он написал полотно «Галерея Лувра», в поле картины с изображением Квадратного Салона ему удалось вместить много луврских шедевров.
В 1832 году Морзе, преисполненный надежд, упаковал холсты и возвращался в Америку. Взойдя на борт корабля художником, он высадился на берег изобретателем.
Во время плавания зашел разговор об опытах по электромагнетизму – «извлечение искр из магнита» было одним из чудес того времени. Морзе высказал предположение, что сочетание искр может быть использовано как код для передачи сообщений по проводам. Эта идея захватила его, несмотря на то, что ему были почти неизвестны даже основы электричества.
24 мая 1844 года он послал первое телеграфное сообщение: «Чудны дела твои, Господи!».
26 апреля 2020
26 апреля в1798 года родился Эжен Делакруа - французский живописец и график, предводитель романтического направления в европейской живописи.
Начинающего художника привлекали великие колористы – Рубенс, Веронезе и Тициан. Английский художник Р.П. Бонингстоун познакомил Делакруа с английской акварелью и творчеством Шекспира и Байрона. Но самое большое влияние на него оказал Теодор Жерико.
Волнения в Париже летом 1830 года явились темой для написания самого известного полотна Делакруа – «Свобода на баррикадах» («28 июля 1830»). Картина была принята восхитительно всей публикой на Салоне 1831 года, её тут же купило правительство и многие годы после этого она не экспонировалась. На картине, кстати, есть автопортрет художника - он в цилиндре по правую сторону от Свободы.
Делакруа был постоянным посетителем зоопарка. Он был одержим тиграми и львами, чувствовал необъяснимую связь с этими дикими хищниками. Для французских живописцев, которые несколько веков писали животных по гипсовым моделям, его ежедневное дежурство у клеток с хищниками было настоящим потрясением.
Делакруа был блестящим собеседником. Образованный эрудит, безукоризненно учтивый, сдержанный и внимательный, он мог с порога предупредить гостя: «Сегодня мы не будем разговаривать, хорошо? Разве что самую малость». А потом провести за беседой несколько часов.
По официальной информации, Делакруа не был женат. Одной из причин безбрачия живописца исследователи считают тот факт, что он не любил детей. Для него ребенок был воплощением грязных рук, портящих холсты, шума, отвлекающего от работы.
Последней волей Эжена был запрет на любое его изображение, «будь то посмертная маска, рисунок или фотография».
Начинающего художника привлекали великие колористы – Рубенс, Веронезе и Тициан. Английский художник Р.П. Бонингстоун познакомил Делакруа с английской акварелью и творчеством Шекспира и Байрона. Но самое большое влияние на него оказал Теодор Жерико.
Волнения в Париже летом 1830 года явились темой для написания самого известного полотна Делакруа – «Свобода на баррикадах» («28 июля 1830»). Картина была принята восхитительно всей публикой на Салоне 1831 года, её тут же купило правительство и многие годы после этого она не экспонировалась. На картине, кстати, есть автопортрет художника - он в цилиндре по правую сторону от Свободы.
Делакруа был постоянным посетителем зоопарка. Он был одержим тиграми и львами, чувствовал необъяснимую связь с этими дикими хищниками. Для французских живописцев, которые несколько веков писали животных по гипсовым моделям, его ежедневное дежурство у клеток с хищниками было настоящим потрясением.
Делакруа был блестящим собеседником. Образованный эрудит, безукоризненно учтивый, сдержанный и внимательный, он мог с порога предупредить гостя: «Сегодня мы не будем разговаривать, хорошо? Разве что самую малость». А потом провести за беседой несколько часов.
По официальной информации, Делакруа не был женат. Одной из причин безбрачия живописца исследователи считают тот факт, что он не любил детей. Для него ребенок был воплощением грязных рук, портящих холсты, шума, отвлекающего от работы.
Последней волей Эжена был запрет на любое его изображение, «будь то посмертная маска, рисунок или фотография».
25 апреля 2020
25 апреля подписан указ об учреждении «Русского музея императора Александра III» (ныне — Государственный Русский музей.)
Идея организации государственного музея национального искусства витала в русском обществе с середины 19 века. Александр III был ценителем искусства и очень хорошо разбирался в живописи. Именно ему принадлежит мысль создания всенародного музея произведений искусства. В Москве тогда эту роль фактически уже играла Третьяковская галерея, а в Петербурге, столичном городе, такого музея все еще не было.
Задуманное Александром III осуществил его сын – император Николай II, подписав (13) 25 апреля 1895 года Высочайший Указ «Об учреждении Русского Музея Императора Александра III» и «о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского Дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом». В мае 1895 года началась перестройка дворцовых помещений для будущих музейных экспозиций.
(7) 19 марта 1898 года состоялось торжественное открытие «Русского Музея Императора Александра III» для посетителей. Изначально в нем было три отдела: художественный, этнографический и историко-бытовой. Первые фонды Русского музея сложились из меценатских пожертвований. Главным меценатом выступила царская фамилия.
Художественное собрание музея также формировалось из разных источников – произведения поступили из Императорских дворцов, Эрмитажа и Академии художеств, от коллекционеров.
В настоящее время коллекция Русского музея насчитывает около 400 тысяч экспонатов и охватывает все исторические периоды русского искусства, все его основные виды и жанры, направления и школы более чем за 1000 лет.
Идея организации государственного музея национального искусства витала в русском обществе с середины 19 века. Александр III был ценителем искусства и очень хорошо разбирался в живописи. Именно ему принадлежит мысль создания всенародного музея произведений искусства. В Москве тогда эту роль фактически уже играла Третьяковская галерея, а в Петербурге, столичном городе, такого музея все еще не было.
Задуманное Александром III осуществил его сын – император Николай II, подписав (13) 25 апреля 1895 года Высочайший Указ «Об учреждении Русского Музея Императора Александра III» и «о представлении для сей цели приобретенного в казну Михайловского Дворца со всеми принадлежащими к нему флигелями, службами и садом». В мае 1895 года началась перестройка дворцовых помещений для будущих музейных экспозиций.
(7) 19 марта 1898 года состоялось торжественное открытие «Русского Музея Императора Александра III» для посетителей. Изначально в нем было три отдела: художественный, этнографический и историко-бытовой. Первые фонды Русского музея сложились из меценатских пожертвований. Главным меценатом выступила царская фамилия.
Художественное собрание музея также формировалось из разных источников – произведения поступили из Императорских дворцов, Эрмитажа и Академии художеств, от коллекционеров.
В настоящее время коллекция Русского музея насчитывает около 400 тысяч экспонатов и охватывает все исторические периоды русского искусства, все его основные виды и жанры, направления и школы более чем за 1000 лет.
24 апреля 2020
24 апреля в 1791 году родился Николай Александрович Бестужев – капитан-лейтенант 8 флотского экипажа, декабрист, историограф флота, писатель, критик, изобретатель, художник.
В 1823 году Бестужев становится начальником Морского музея и занимается историей русского флота. К этому времени он был уже заметной фигурой среди морского офицерства, приобрел известность в научной и литературной среде.
В 1824 году К. Рылеев предложил Бестужеву вступить в тайное общество, которое образовали лучшие представители российского дворянства. Позже их назовут «декабристами».
14 декабря 1825 года он привел на Дворцовую площадь Петербурга Морской гвардейский экипаж, хотя уже несколько лет состоял при Адмиралтейском департаменте и к практической морской службе отношения не имел.
Вместе с братом Михаилом 28 сентября 1827 года их отправили в Сибирь.
В казематах завода Николай Бестужев начал активно заниматься литературным творчеством: романтические повести, путевые очерки, басни, стихотворения. В журналах стали появляться его переводы из Т. Мора, Байрона, В. Скотта, Вашингтона Ирвинга, печатались научные статьи по истории, физике, математике.
Особое место в его творчестве занимает морская тема. Сборник избранных сочинений Бестужева называется «Рассказы и повести старого моряка».
Николай Бестужев на каторге и поселении занимался сапожным, ювелирным, токарным и часовым делом. Разрабатывал новую конструкцию хронометра. Во время Крымской войны разрабатывал конструкцию ружейного замка, создал «бестужевскую печь» и совместно с братом Михаилом двуколку «бестужевку».
Проводил исследования по этнографии и археологии, собирал бурятские песни и сказки. Открыл следы оросительных систем у первых земледельцев Забайкалья, петроглифы вдоль Селенги.
Работал акварелью, позднее маслом на холсте. Написал портреты декабристов, их жён и детей, городских жителей (115 портретов), виды Читы и Петровского Завода.
В 1823 году Бестужев становится начальником Морского музея и занимается историей русского флота. К этому времени он был уже заметной фигурой среди морского офицерства, приобрел известность в научной и литературной среде.
В 1824 году К. Рылеев предложил Бестужеву вступить в тайное общество, которое образовали лучшие представители российского дворянства. Позже их назовут «декабристами».
14 декабря 1825 года он привел на Дворцовую площадь Петербурга Морской гвардейский экипаж, хотя уже несколько лет состоял при Адмиралтейском департаменте и к практической морской службе отношения не имел.
Вместе с братом Михаилом 28 сентября 1827 года их отправили в Сибирь.
В казематах завода Николай Бестужев начал активно заниматься литературным творчеством: романтические повести, путевые очерки, басни, стихотворения. В журналах стали появляться его переводы из Т. Мора, Байрона, В. Скотта, Вашингтона Ирвинга, печатались научные статьи по истории, физике, математике.
Особое место в его творчестве занимает морская тема. Сборник избранных сочинений Бестужева называется «Рассказы и повести старого моряка».
Николай Бестужев на каторге и поселении занимался сапожным, ювелирным, токарным и часовым делом. Разрабатывал новую конструкцию хронометра. Во время Крымской войны разрабатывал конструкцию ружейного замка, создал «бестужевскую печь» и совместно с братом Михаилом двуколку «бестужевку».
Проводил исследования по этнографии и археологии, собирал бурятские песни и сказки. Открыл следы оросительных систем у первых земледельцев Забайкалья, петроглифы вдоль Селенги.
Работал акварелью, позднее маслом на холсте. Написал портреты декабристов, их жён и детей, городских жителей (115 портретов), виды Читы и Петровского Завода.
23 апреля 2020
23 апреля 1775 года в Лондоне родился Уильям Тернер - британский живописец, мастер романтического пейзажа.
Он твердо решил добиться признания и всю жизнь старался доказать, что пейзаж может выражать самые высокие понятия и чувства ничуть не хуже исторической картины. На картинах Тернера чаще всего присутствует движение - например, волнующееся море, корабли, - а также восходы, закаты, туманы, дымы. Его интересует не форма или правдоподобность, а свет и цвет. Своей неподражаемой техникой он передает эмоции и настроения.
Несмотря на известность и материальное благосостояние, он был угрюм, необщителен, резок в обхождении и равнодушен ко всему, кроме своего искусства. Одной из его странностей было исчезать из дома, не предупредив никого, и скрываться на несколько дней в небольшой квартире в глухой части Лондона. И в одну из таких отлучек Уильям Тернер скоропостижно скончался.
Тернер умер очень богатым человеком, оставив огромное количество работ: 300 картин маслом и 19 000 рисунков. Ныне они собраны в специально построенной для них галерее Клоур. Значительную часть своего состояния Тернер завещал на благотворительность, а все непроданные произведения — Лондонской национальной галерее.
На оставленную им сумму при Королевской академии основан фонд для выдачи пособий нуждающимся художникам и учреждена медаль его имени, присуждаемая через каждые два года в награду за лучший из пейзажей, представленных Академии
Он твердо решил добиться признания и всю жизнь старался доказать, что пейзаж может выражать самые высокие понятия и чувства ничуть не хуже исторической картины. На картинах Тернера чаще всего присутствует движение - например, волнующееся море, корабли, - а также восходы, закаты, туманы, дымы. Его интересует не форма или правдоподобность, а свет и цвет. Своей неподражаемой техникой он передает эмоции и настроения.
Несмотря на известность и материальное благосостояние, он был угрюм, необщителен, резок в обхождении и равнодушен ко всему, кроме своего искусства. Одной из его странностей было исчезать из дома, не предупредив никого, и скрываться на несколько дней в небольшой квартире в глухой части Лондона. И в одну из таких отлучек Уильям Тернер скоропостижно скончался.
Тернер умер очень богатым человеком, оставив огромное количество работ: 300 картин маслом и 19 000 рисунков. Ныне они собраны в специально построенной для них галерее Клоур. Значительную часть своего состояния Тернер завещал на благотворительность, а все непроданные произведения — Лондонской национальной галерее.
На оставленную им сумму при Королевской академии основан фонд для выдачи пособий нуждающимся художникам и учреждена медаль его имени, присуждаемая через каждые два года в награду за лучший из пейзажей, представленных Академии
22 апреля 2020
22 апреля 1938 года - родился Иссей Мияке , известный японский модельер и дизайнер одежды, основатель собственного модного дома и бренда «Issey Miyake».
Он – представитель концептуальной моды, приверженец инновационного и одновременно функционального дизайна с применением новых технологий.
Самые первые модели, созданные Мияке, поразили публику. Он в своем творчестве смешал европейские, американские и национальные мотивы одежды, так получился его особый стиль. Однажды в интервью он сказал: «В японском языке есть три разных слова для понятия «одежда»: западная одежда, японская одежда, одежда вообще, но это слово может означать и удачу, и радость. Когда меня спрашивают, какое из этих значений подходит к моей одежде, я отвечаю, что создаю радость».
Вдохновение дизайнер черпает из впечатлений от путешествий по разным странам. Особый стиль Мияке проявляется не только в моделях одежды, но и в организации его показов. Модельер предпочитает устраивать настоящие театрализованные шоу, вместо обычных дефиле, с танцорами и музыкантами. И места их проведения выбирает экзотические, например, спортивный стадион или гимнастический класс.
В начале 90-х под своим брендом Мияке дарит миру первый женский аромат. Он лично работал над дизайном флакона. Аромат,по словам создателя, должен был подарить обладательницам неповторимый шарм Франции, нежное очарование Японии и свободу Нью-Йорка!
В 2000-х годах работал над такими проектами, как «132 5» – трёхмерные вещи и аксессуары, в основу дизайна которых заложен принцип оригами и «A-POC making» – одежда-конструктор без швов, которая производится с помощью компьютерной программы.
Он – представитель концептуальной моды, приверженец инновационного и одновременно функционального дизайна с применением новых технологий.
Самые первые модели, созданные Мияке, поразили публику. Он в своем творчестве смешал европейские, американские и национальные мотивы одежды, так получился его особый стиль. Однажды в интервью он сказал: «В японском языке есть три разных слова для понятия «одежда»: западная одежда, японская одежда, одежда вообще, но это слово может означать и удачу, и радость. Когда меня спрашивают, какое из этих значений подходит к моей одежде, я отвечаю, что создаю радость».
Вдохновение дизайнер черпает из впечатлений от путешествий по разным странам. Особый стиль Мияке проявляется не только в моделях одежды, но и в организации его показов. Модельер предпочитает устраивать настоящие театрализованные шоу, вместо обычных дефиле, с танцорами и музыкантами. И места их проведения выбирает экзотические, например, спортивный стадион или гимнастический класс.
В начале 90-х под своим брендом Мияке дарит миру первый женский аромат. Он лично работал над дизайном флакона. Аромат,по словам создателя, должен был подарить обладательницам неповторимый шарм Франции, нежное очарование Японии и свободу Нью-Йорка!
В 2000-х годах работал над такими проектами, как «132 5» – трёхмерные вещи и аксессуары, в основу дизайна которых заложен принцип оригами и «A-POC making» – одежда-конструктор без швов, которая производится с помощью компьютерной программы.
21 апреля 2020
21 апреля 1912 года - родилась Ева Арнольд, американский фотограф и фотожурналист, первая женщина - член агентства «Magnum Photos».
Из семьи российских эмигрантов, она хотела стать известным врачом и помогать людям. Но после того как в руки девочки попал фотоаппарат, всё изменилось. Именно он определил её дальнейшую судьбу и жизнь.
Фотографического образования Ева никогда не имела и только в 1948 году она формально посещала курсы фотографии от Алексея Бродовича. Талант девушки позволил ей стать известной личностью и профессиональным фотографом.
В 1955 году Ева Арнольд стала членом самого известного и преуспевающего объединения фотографов-документалистов наших дней – фотоагентства «Магнум». Она стала первой женщиной-фотографом, присоединившейся к данному обществу.
Карьера Евы насчитывает огромное количество захватывающих сюжетов, невероятных событий и завораживающих портретов. География её работы – Америка, Китай, Великобритания, Африка, Россия и другие страны мира.
Самую большую страсть Ева Арнольд питала к фотографированию знаменитых и популярных женщин, одна из наиболее шедевральных ее работ – портретная серия Мэрилин Монро. Они были не только мастером и моделью, но и связывались крепкой дружбой по жизни, начало которой было положено еще в 1951 году, когда, ни Ева, ни Мэрилин не имели мировой славы.
А детскую мечту Евы реализовал её сын, став хорошим и успешным хирургом.
Из семьи российских эмигрантов, она хотела стать известным врачом и помогать людям. Но после того как в руки девочки попал фотоаппарат, всё изменилось. Именно он определил её дальнейшую судьбу и жизнь.
Фотографического образования Ева никогда не имела и только в 1948 году она формально посещала курсы фотографии от Алексея Бродовича. Талант девушки позволил ей стать известной личностью и профессиональным фотографом.
В 1955 году Ева Арнольд стала членом самого известного и преуспевающего объединения фотографов-документалистов наших дней – фотоагентства «Магнум». Она стала первой женщиной-фотографом, присоединившейся к данному обществу.
Карьера Евы насчитывает огромное количество захватывающих сюжетов, невероятных событий и завораживающих портретов. География её работы – Америка, Китай, Великобритания, Африка, Россия и другие страны мира.
Самую большую страсть Ева Арнольд питала к фотографированию знаменитых и популярных женщин, одна из наиболее шедевральных ее работ – портретная серия Мэрилин Монро. Они были не только мастером и моделью, но и связывались крепкой дружбой по жизни, начало которой было положено еще в 1951 году, когда, ни Ева, ни Мэрилин не имели мировой славы.
А детскую мечту Евы реализовал её сын, став хорошим и успешным хирургом.
20 апреля 2020
20 апреля 1967 года на сцене Большого театра в Москве состоялась премьера спектакля «Кармен-сюита».
Майя Плисецкая, побывав в конце 1966 года на спектаклях Национального балета Кубы, приезжавшего на гастроли в Москву, загорелась идеей пригласить для постановки балета «Кармен», о котором давно мечтала, кубинского хореографа Альберто Алонсо.
Авторы создавали этот балет специально для великой балерины Майи Плисецкой. Композитор Родион Щедрин творчески осуществил транскрипцию музыки известной оперы Жоржа Бизе «Кармен». Автор сценария и балетмейстер кубинский хореограф Альберто Алонсо предложил интересную концепцию конфликта, образов и хореографическое решение произведения. Сценография постановки художника Бориса Мессерера сделала возможной реализацию философского уровня музыкального драматургического замысла, воплощенного в хореографическом развитии балета.
Обескураженная новизной балета, публика отнеслась к премьере прохладно. Одним из немногих зрителей, безоговорочно принявших новый спектакль, был Д.Д. Шостакович. Создатели «Кармен-сюиты», слишком непривычной, эротичной нуждались в поддержке, поскольку сразу же попали в опалу.
«Вы – предательница классического балета», – в ярости скажет Плисецкой министр культуры СССР Е.А. Фурцева.
Самым дорогим для Майи Плисецкой было признание испанской публики: «Когда испанцы мне крикнули «Оле!», я поняла, что победила».
Майя Плисецкая, побывав в конце 1966 года на спектаклях Национального балета Кубы, приезжавшего на гастроли в Москву, загорелась идеей пригласить для постановки балета «Кармен», о котором давно мечтала, кубинского хореографа Альберто Алонсо.
Авторы создавали этот балет специально для великой балерины Майи Плисецкой. Композитор Родион Щедрин творчески осуществил транскрипцию музыки известной оперы Жоржа Бизе «Кармен». Автор сценария и балетмейстер кубинский хореограф Альберто Алонсо предложил интересную концепцию конфликта, образов и хореографическое решение произведения. Сценография постановки художника Бориса Мессерера сделала возможной реализацию философского уровня музыкального драматургического замысла, воплощенного в хореографическом развитии балета.
Обескураженная новизной балета, публика отнеслась к премьере прохладно. Одним из немногих зрителей, безоговорочно принявших новый спектакль, был Д.Д. Шостакович. Создатели «Кармен-сюиты», слишком непривычной, эротичной нуждались в поддержке, поскольку сразу же попали в опалу.
«Вы – предательница классического балета», – в ярости скажет Плисецкой министр культуры СССР Е.А. Фурцева.
Самым дорогим для Майи Плисецкой было признание испанской публики: «Когда испанцы мне крикнули «Оле!», я поняла, что победила».
19 апреля 2020
19 апреля в 1849 году - родилась Ева Гонсалес, одарённая и единственная ученица Эдуарда Мане, французская художница - импрессионистка.
Хотя Еву Гонсалес и относят к импрессионизму, она не принимала участие ни в одной из групповых выставок этих художников.
Любимой моделью художницы была ее сестра, изображенная, например, на картине "Утреннее пробуждение". Сама же Ева за всю свою жизнь не написала ни единого автопортрета.
Работам Евы Гонсалес характерны приглушенные тона, мягкость линий и даже некая деликатность и нежность в изображении объектов. Любая композиция или сюжет в ее исполнении выдает особый женский и очень женственный взгляд на вещи.
Прожив 34 года,художница оставила всего около девяти десятков картин.
2,546 млн. долларов - за эту цену была продана картина Евы Гонсалес "Подруга невесты" на аукционе Сотбис в январе 2013 года.
Хотя Еву Гонсалес и относят к импрессионизму, она не принимала участие ни в одной из групповых выставок этих художников.
Любимой моделью художницы была ее сестра, изображенная, например, на картине "Утреннее пробуждение". Сама же Ева за всю свою жизнь не написала ни единого автопортрета.
Работам Евы Гонсалес характерны приглушенные тона, мягкость линий и даже некая деликатность и нежность в изображении объектов. Любая композиция или сюжет в ее исполнении выдает особый женский и очень женственный взгляд на вещи.
Прожив 34 года,художница оставила всего около девяти десятков картин.
2,546 млн. долларов - за эту цену была продана картина Евы Гонсалес "Подруга невесты" на аукционе Сотбис в январе 2013 года.
18 апреля 2020
18 апреля - Международный день цирка
Дата праздника уникальна для каждого года. В 2020 году эта дата — 18 апреля.
Праздник учрежден не только с целью показать цирк во всем его великолепии, но и призван отдать должное вкладу циркового искусства в культуру. Ведь цирк любят не только дети, но и взрослые, причём в разных уголках планеты.
Старейшим цирковым стационаром в России считается цирк Гаэтано Чинизелли в Санкт-Петербурге, открытый в 1877 году, который и сегодня функционирует. А вот создателями Русского национального цирка считаются братья Никитины, которые, дав первое представление «Русского цирка братьев Никитиных» в Пензе, впоследствии открыли целую сеть добротных цирков в ряде российских городов.
Современный цирк – это клоунада, акробатика, эквилибристика, музыкальная эксцентрика, иллюзионизм, пантомима, интермедия и многое другое. В мире работают тысячи цирков, и ряд из них имеют мировую известность. Например, одна из самых древних цирковых трупп мира – Китайский акробатический цирк «Райское шоу из Поднебесной», или канадский «Цирк Солнца» (Cirque du Soleil).
Дата праздника уникальна для каждого года. В 2020 году эта дата — 18 апреля.
Праздник учрежден не только с целью показать цирк во всем его великолепии, но и призван отдать должное вкладу циркового искусства в культуру. Ведь цирк любят не только дети, но и взрослые, причём в разных уголках планеты.
Старейшим цирковым стационаром в России считается цирк Гаэтано Чинизелли в Санкт-Петербурге, открытый в 1877 году, который и сегодня функционирует. А вот создателями Русского национального цирка считаются братья Никитины, которые, дав первое представление «Русского цирка братьев Никитиных» в Пензе, впоследствии открыли целую сеть добротных цирков в ряде российских городов.
Современный цирк – это клоунада, акробатика, эквилибристика, музыкальная эксцентрика, иллюзионизм, пантомима, интермедия и многое другое. В мире работают тысячи цирков, и ряд из них имеют мировую известность. Например, одна из самых древних цирковых трупп мира – Китайский акробатический цирк «Райское шоу из Поднебесной», или канадский «Цирк Солнца» (Cirque du Soleil).
17 апреля 2020
17 апреля в 1745 году родился Семён Фёдорович щедрин, русский художник, родоначальник русской пейзажной живописи, первый профессор нового пейзажного класса в Академии Художеств.
Семён Щедрин обучался гравированию, орнаментальной скульптуре и «ландшафтному художеству» в только открывшейся Императорской академии. За успешную учебу его премируют заграничной поездкой.
Стажировка в Париже и Риме, изучение голландской и фламандской живописи XVII века, знакомство с Дидро и его реалистическими идеями постепенно формируют Щедрина как мастера-пейзажиста, умеющего увидеть и отразить красоту повседневной действительности. Все больше и больше автор пишет на пленэре.
В 1776 году, вернувшись в Петербург, Щедрин возглавляет класс ландшафтной живописи в Академии, работает в качестве придворного художника Екатерины II, реставрирует произведения из собрания Эрмитажа и пишет виды пригородных дворцов и парков. Позже художник получит должность адъюнкт-ректора Академии художеств. Система пейзажа, разработанная Семеном Федоровичем, станет общепризнанной и ляжет в основу творчества многих пейзажистов первой половины XIX века.
Главным в творчестве Семена Щедрина является мотив лирического переживания и прочувствованности природы, что впоследствии ляжет в основу романтического пейзажа, знакомого нам по картинам Васильева, Левитана и других выдающихся русских живописцев.
Семён Щедрин обучался гравированию, орнаментальной скульптуре и «ландшафтному художеству» в только открывшейся Императорской академии. За успешную учебу его премируют заграничной поездкой.
Стажировка в Париже и Риме, изучение голландской и фламандской живописи XVII века, знакомство с Дидро и его реалистическими идеями постепенно формируют Щедрина как мастера-пейзажиста, умеющего увидеть и отразить красоту повседневной действительности. Все больше и больше автор пишет на пленэре.
В 1776 году, вернувшись в Петербург, Щедрин возглавляет класс ландшафтной живописи в Академии, работает в качестве придворного художника Екатерины II, реставрирует произведения из собрания Эрмитажа и пишет виды пригородных дворцов и парков. Позже художник получит должность адъюнкт-ректора Академии художеств. Система пейзажа, разработанная Семеном Федоровичем, станет общепризнанной и ляжет в основу творчества многих пейзажистов первой половины XIX века.
Главным в творчестве Семена Щедрина является мотив лирического переживания и прочувствованности природы, что впоследствии ляжет в основу романтического пейзажа, знакомого нам по картинам Васильева, Левитана и других выдающихся русских живописцев.
16 апреля 2020
16 апреля в 1889 году - родился Чарли Чаплин (наст. имя – Чарльз Спенсер Чаплин), английский киноактёр, сценарист, композитор и режиссер, великий комик. Обладатель премии «Оскар» – дважды, международной премии Мира и других наград.
Сокрушаясь о том, что эпоха немого кино канула в Лету, он говорил:
"Все-таки жаль немого кино. Какое удовольствие было видеть, как женщина открывает рот, а голоса не слышно..."
В детстве Чарли много выступал, участвовал в пантомимах, пробуя себя в роли клоуна.
В 14-летнем возрасте он получил постоянную работу в театре. Большую услугу ему оказал брат, помогая выучить текст роли, ведь Чаплин практически не умел читать.
После переезда в 1912 году в США, молодого актера через некоторое время замечают представители киноиндустрии, которая только начинает развиваться. Чаплин становится сначала актером, а затем и автором многих картин. В 1914 году он самостоятельно снял свой первый фильм «Застигнутый дождём», в котором выступил и в качестве актёра, и режиссёра, и сценариста – всё это он будет делать и в дальнейшем.
В 1917 году он стал самым дорогим актером в истории кино, подписав контракт на 1 млн. долларов со студией «First National Pictures».
Несмотря на то, что кино вскоре стало звуковым, а затем и цветным, образ «Бродяги», созданный Великим Мастером, стал классикой кино и до сих пор считается примером для подражания. Этот персонаж в широких штанах, больших башмаках, с котелком на голове и с тросточкой стал своего рода визитной карточкой Чарли Чаплина.
Чарли Чаплин говорил: «Я стал богатым, играя бедных». Необычайный талант мима, отшлифованный на подмостках лондонских варьете, придал его образу масштаб шекспировского шута. С 1915 года его сопровождала Вселенская Слава, а созданный им персонаж вписан в Книгу кино.
Сокрушаясь о том, что эпоха немого кино канула в Лету, он говорил:
"Все-таки жаль немого кино. Какое удовольствие было видеть, как женщина открывает рот, а голоса не слышно..."
В детстве Чарли много выступал, участвовал в пантомимах, пробуя себя в роли клоуна.
В 14-летнем возрасте он получил постоянную работу в театре. Большую услугу ему оказал брат, помогая выучить текст роли, ведь Чаплин практически не умел читать.
После переезда в 1912 году в США, молодого актера через некоторое время замечают представители киноиндустрии, которая только начинает развиваться. Чаплин становится сначала актером, а затем и автором многих картин. В 1914 году он самостоятельно снял свой первый фильм «Застигнутый дождём», в котором выступил и в качестве актёра, и режиссёра, и сценариста – всё это он будет делать и в дальнейшем.
В 1917 году он стал самым дорогим актером в истории кино, подписав контракт на 1 млн. долларов со студией «First National Pictures».
Несмотря на то, что кино вскоре стало звуковым, а затем и цветным, образ «Бродяги», созданный Великим Мастером, стал классикой кино и до сих пор считается примером для подражания. Этот персонаж в широких штанах, больших башмаках, с котелком на голове и с тросточкой стал своего рода визитной карточкой Чарли Чаплина.
Чарли Чаплин говорил: «Я стал богатым, играя бедных». Необычайный талант мима, отшлифованный на подмостках лондонских варьете, придал его образу масштаб шекспировского шута. С 1915 года его сопровождала Вселенская Слава, а созданный им персонаж вписан в Книгу кино.
15 апреля 2020
15 апреля - Международный день культуры
Он был учрежден в честь принятия 15 апреля 1935 года международного договора «Об охране художественных и научных учреждений и исторических памятников», который стал известен в международно-правовой практике как Пакт Рериха.
Идея создания организованной охраны культурных ценностей принадлежит выдающемуся художнику и деятелю русской и мировой культуры Николаю Рериху, который считал культуру главной движущей силой на пути совершенствования человеческого общества, видел в ней основу единения людей разных национальностей и вероисповеданий.
15 апреля 1935 года в Белом Доме в Вашингтоне главами 21 государства был подписан первый в истории Земли международный договор «О защите учреждений, служащих целям культуры, науки и искусства, а также исторических памятников», названный по имени его создателя «Пакт Рериха».
В рамках Пакта Рерих также предложил и отличительный знак, которым предполагалось отмечать защищаемые культурные объекты, – «Знамя Мира», своего рода Знамя Культуры, – белое полотнище, на котором изображены три соприкасающихся амарантовых круга – прошлые, настоящие и будущие достижения человечества, окруженные кольцом Вечности. Этот знак носит международный характер и встречается в произведениях искусства разных стран и народов мира с древних времен до настоящего времени. По замыслу Рериха Знамя Мира должно развеваться над культурными объектами как охранитель истинных духовных ценностей человечества.
Знамя Мира в настоящее время можно увидеть повсеместно – в зданиях ООН в Нью-Йорке и в Вене, в Госдуме России, в учреждениях культуры разных стран, на высочайших вершинах мира и даже на Северном и Южном полюсах. А ещё оно было поднято в космос, положив начало осуществлению Международного общественного научно-просветительного космического проекта «Знамя Мира», в котором приняли участие российские и зарубежные космонавты.
Он был учрежден в честь принятия 15 апреля 1935 года международного договора «Об охране художественных и научных учреждений и исторических памятников», который стал известен в международно-правовой практике как Пакт Рериха.
Идея создания организованной охраны культурных ценностей принадлежит выдающемуся художнику и деятелю русской и мировой культуры Николаю Рериху, который считал культуру главной движущей силой на пути совершенствования человеческого общества, видел в ней основу единения людей разных национальностей и вероисповеданий.
15 апреля 1935 года в Белом Доме в Вашингтоне главами 21 государства был подписан первый в истории Земли международный договор «О защите учреждений, служащих целям культуры, науки и искусства, а также исторических памятников», названный по имени его создателя «Пакт Рериха».
В рамках Пакта Рерих также предложил и отличительный знак, которым предполагалось отмечать защищаемые культурные объекты, – «Знамя Мира», своего рода Знамя Культуры, – белое полотнище, на котором изображены три соприкасающихся амарантовых круга – прошлые, настоящие и будущие достижения человечества, окруженные кольцом Вечности. Этот знак носит международный характер и встречается в произведениях искусства разных стран и народов мира с древних времен до настоящего времени. По замыслу Рериха Знамя Мира должно развеваться над культурными объектами как охранитель истинных духовных ценностей человечества.
Знамя Мира в настоящее время можно увидеть повсеместно – в зданиях ООН в Нью-Йорке и в Вене, в Госдуме России, в учреждениях культуры разных стран, на высочайших вершинах мира и даже на Северном и Южном полюсах. А ещё оно было поднято в космос, положив начало осуществлению Международного общественного научно-просветительного космического проекта «Знамя Мира», в котором приняли участие российские и зарубежные космонавты.
14 апреля 2020
14 апреля 1870 года - родился Виктор Борисов-Мусатов, живописец, мастер символических изображений «дворянских гнёзд».
В детстве с Виктором случился несчастный случай: он упал со скамейки и повредил позвоночник, вследствие чего у него начал появляться горб. Это в известной мере сказалось на характере будущего художника – у него рано проявилась склонность к одиночеству, замкнутости, мечтательности.
Дед будущего художника, Борис Александрович Мусатов, был незаурядной личностью – его имя впоследствии художник присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой, отсюда двойная фамилия мастера – Борисов-Мусатов.
Он один из первых русских живописцев, выразил и объединил в своих картинах жизненную правду с символизмом — он создал особый реализм. Ему характерна страстная любовь к природе, к ее цветущему многообразию и мимолетности, стремление уловить и запечатлеть мгновение.
Из-за детской травмы художнику было трудно проводить многочасовые сеансы, поэтому он использовал фотоаппарат. Процесс работы с помощью камеры выглядел у художника так: зарождался замысел картины, который сперва отражался на фото, затем создавалась композиция, зарисовывались этюды и рождалось полотно. На создание произведения у Борисова-Мусатова всегда уходило несколько месяцев.
Борисов-Мусатов создавал женские образы в произведениях используя три модели — сестру Елену, жену и Надежду Юрьевну Станюкович. Художник боготворит, возвышает в своем творчестве женщину. В картинах девушки со старомодными прическами и в старинных платьях гуляют по пустынным усадебным паркам. При этом художник изображал не какую-то определенную эпоху, а просто ностальгировал по прошлому. «Да никакая это эпоха! Это, знаете ли, просто красивая эпоха», — говорил он.
Виктор Борисов-Мусатов прожил всего 35 лет и создал 77 картин, которые представлены в двадцати музеях.
«Водоём» — одна из наиболее известных картин русского художника.
В детстве с Виктором случился несчастный случай: он упал со скамейки и повредил позвоночник, вследствие чего у него начал появляться горб. Это в известной мере сказалось на характере будущего художника – у него рано проявилась склонность к одиночеству, замкнутости, мечтательности.
Дед будущего художника, Борис Александрович Мусатов, был незаурядной личностью – его имя впоследствии художник присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой, отсюда двойная фамилия мастера – Борисов-Мусатов.
Он один из первых русских живописцев, выразил и объединил в своих картинах жизненную правду с символизмом — он создал особый реализм. Ему характерна страстная любовь к природе, к ее цветущему многообразию и мимолетности, стремление уловить и запечатлеть мгновение.
Из-за детской травмы художнику было трудно проводить многочасовые сеансы, поэтому он использовал фотоаппарат. Процесс работы с помощью камеры выглядел у художника так: зарождался замысел картины, который сперва отражался на фото, затем создавалась композиция, зарисовывались этюды и рождалось полотно. На создание произведения у Борисова-Мусатова всегда уходило несколько месяцев.
Борисов-Мусатов создавал женские образы в произведениях используя три модели — сестру Елену, жену и Надежду Юрьевну Станюкович. Художник боготворит, возвышает в своем творчестве женщину. В картинах девушки со старомодными прическами и в старинных платьях гуляют по пустынным усадебным паркам. При этом художник изображал не какую-то определенную эпоху, а просто ностальгировал по прошлому. «Да никакая это эпоха! Это, знаете ли, просто красивая эпоха», — говорил он.
Виктор Борисов-Мусатов прожил всего 35 лет и создал 77 картин, которые представлены в двадцати музеях.
«Водоём» — одна из наиболее известных картин русского художника.
13 апреля 2020
13 апреля - Всемирный день рок-н-ролла
Этот день празднуют единомышленники, для которых рок-н-ролл стал не только музыкой, а стилем и образом жизни.
Праздник отмечается ежегодно 13 апреля, хотя историческое событие, послужившее для него основой, произошло днем раньше.
А именно – 12 апреля 1954 года – Билл Хейли (Bill Haley) записал сингл «Rock Around The Clock», ставший знаковым в новом музыкальном направлении, которое быстро преодолело границы США и распространилось по странам и континентам, бросив вызов обществу и традициям.
После II-й мировой войны, люди стремились к покою, потрясений никто не хотел. Отражением общественных настроений была и музыка – спокойная и сентиментальная, со сладкоголосым вокалом. В США продвигалась идея оградить музыкальную культуру белых от дикой культуры черных.
Наряду с официальной музыкой, в Америке жила и совсем другая – громкая, ритмичная, полная жизни – ритм-энд-блюз. Однажды диск-жокей Алан Фрид взял смелость «прокрутить» в эфире записи в стиле ритм-энд-блюза, а чтобы не шокировать «белую» публику, придумал название – «рок-н-ролл». Так, благодаря ему, замаскированный ритм-энд-блюз зазвучал в полную силу, став доступным всем.
Первой звездой рок-н-ролла среди белых исполнителей стал певец гитарист Билл Хейли. Его коктейль из ритм-энд-блюза, кантри и уличного сленга имел ошеломительный успех.
Среди основателей направления был и легендарный Элвис Пресли, ставший кумиром подростков и молодежи. Его стиль одежды, манеры и движения становились примером для подражания.
В начале 1960-х годов появился новый стиль в рок-н-ролле – поп-рок. Ливерпульская четверка своими композициям запустила в мир эпидемию «битломании».
Этот день празднуют единомышленники, для которых рок-н-ролл стал не только музыкой, а стилем и образом жизни.
Праздник отмечается ежегодно 13 апреля, хотя историческое событие, послужившее для него основой, произошло днем раньше.
А именно – 12 апреля 1954 года – Билл Хейли (Bill Haley) записал сингл «Rock Around The Clock», ставший знаковым в новом музыкальном направлении, которое быстро преодолело границы США и распространилось по странам и континентам, бросив вызов обществу и традициям.
После II-й мировой войны, люди стремились к покою, потрясений никто не хотел. Отражением общественных настроений была и музыка – спокойная и сентиментальная, со сладкоголосым вокалом. В США продвигалась идея оградить музыкальную культуру белых от дикой культуры черных.
Наряду с официальной музыкой, в Америке жила и совсем другая – громкая, ритмичная, полная жизни – ритм-энд-блюз. Однажды диск-жокей Алан Фрид взял смелость «прокрутить» в эфире записи в стиле ритм-энд-блюза, а чтобы не шокировать «белую» публику, придумал название – «рок-н-ролл». Так, благодаря ему, замаскированный ритм-энд-блюз зазвучал в полную силу, став доступным всем.
Первой звездой рок-н-ролла среди белых исполнителей стал певец гитарист Билл Хейли. Его коктейль из ритм-энд-блюза, кантри и уличного сленга имел ошеломительный успех.
Среди основателей направления был и легендарный Элвис Пресли, ставший кумиром подростков и молодежи. Его стиль одежды, манеры и движения становились примером для подражания.
В начале 1960-х годов появился новый стиль в рок-н-ролле – поп-рок. Ливерпульская четверка своими композициям запустила в мир эпидемию «битломании».
12 апреля 2020
12 апреля в 1885 году - родился Робер Делоне, французский художник, один из основоположников нового арт-стиля — «орфизма» (совместно со своей женой – Соней Терк-Делоне).
«Космические потрясения, желание очищения… Ничего ни горизонтального, ни вертикального. Свет все деформирует, все разбивает…» (из манифеста Робера Делоне «О свете»).
Свой творческий путь Робер Делоне начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Он остро чувствовал движение, ритмику, динамичность изображаемых событий. В 1912 году вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришел от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал «орфизмом». По мнению Аполлинера, воздействие «симультных» картин на зрителя сопоставимо с воздействием музыки Орфея, который звуками своей музыки мог передвигать камни, усмирять волны, зачаровывать животных и растения.
Робер Делон нашел собственный метод создания "цветовых конструкций" из концентрических окружностей, арок, радуг, окрашенных в семь основных цветов.
Своей целью орфисты провозгласили создание "новой реальности из простейших, но тончайшим образом организованных цветовых сочетаний". Их живопись была основана на эффектах движения, возникающих при сопоставлении контрастных цветов. Эстетизм, отвлеченная пластичность, ритмика форм, силуэтов и линий – характерные особенности орфизма.
«Космические потрясения, желание очищения… Ничего ни горизонтального, ни вертикального. Свет все деформирует, все разбивает…» (из манифеста Робера Делоне «О свете»).
Свой творческий путь Робер Делоне начинал под влиянием постимпрессионистов, прежде всего Сезанна. Он остро чувствовал движение, ритмику, динамичность изображаемых событий. В 1912 году вместе со своей женой Соней Терк-Делоне пришел от кубизма к своеобразной манере абстрактной живописи, которую Гийом Аполлинер назвал «орфизмом». По мнению Аполлинера, воздействие «симультных» картин на зрителя сопоставимо с воздействием музыки Орфея, который звуками своей музыки мог передвигать камни, усмирять волны, зачаровывать животных и растения.
Робер Делон нашел собственный метод создания "цветовых конструкций" из концентрических окружностей, арок, радуг, окрашенных в семь основных цветов.
Своей целью орфисты провозгласили создание "новой реальности из простейших, но тончайшим образом организованных цветовых сочетаний". Их живопись была основана на эффектах движения, возникающих при сопоставлении контрастных цветов. Эстетизм, отвлеченная пластичность, ритмика форм, силуэтов и линий – характерные особенности орфизма.
11 апреля 2020
11 апреля в 1749 году - родилась Аделаида Лабиль Жиар /впоследствии Лабиль-Жиар-Винсент/ (в Париже), французская художница-портретист, основательница первой Парижской женской школы живописи.
Полотна-портреты Аделаиды Лабиль имели большой успех в высших кругах французского общества. Художнице позировали министры, принцессы крови, представители титулованной аристократии.
В мае 1783 года Аделаида была принята в Королевскую Академию живописи (в которой одновременно могли состоять не более четырех женщин).
Узнав при вступлении в Академию, какие препятствия возникают на пути женщины, пожелавшей стать художником, Аделаида Лабиль уже в том же году открывает в Париже свою Женскую школу живописи, в которую уже на первый год записались 9 учениц.
Художница поддержала Революцию. Выяснилось, что политические деятели Республики любили собственные портреты ничуть не меньше своих злейших врагов-аристократов. И Лабиль-Жиар их рисовала – от Ролана до Робеспьера. Портрет Максимилиана Робеспьера был очень популярен в революционном Париже.
В 1791 году она жертвует часть средств на Национальное собрание Франции. В своей речи перед Академией Лабиль-Жиар требует равноправия в отношении женщин-художниц. Её предложения были приняты академиками, однако после поражения Революции отменены.
В 1796 году она становится первой женщиной, получившей разрешение иметь своё художественное ателье в Лувре, где Лабиль работает затем со своими ученицами. В последние годы жизни художница часто выставляется в парижских салонах.
Полотна-портреты Аделаиды Лабиль имели большой успех в высших кругах французского общества. Художнице позировали министры, принцессы крови, представители титулованной аристократии.
В мае 1783 года Аделаида была принята в Королевскую Академию живописи (в которой одновременно могли состоять не более четырех женщин).
Узнав при вступлении в Академию, какие препятствия возникают на пути женщины, пожелавшей стать художником, Аделаида Лабиль уже в том же году открывает в Париже свою Женскую школу живописи, в которую уже на первый год записались 9 учениц.
Художница поддержала Революцию. Выяснилось, что политические деятели Республики любили собственные портреты ничуть не меньше своих злейших врагов-аристократов. И Лабиль-Жиар их рисовала – от Ролана до Робеспьера. Портрет Максимилиана Робеспьера был очень популярен в революционном Париже.
В 1791 году она жертвует часть средств на Национальное собрание Франции. В своей речи перед Академией Лабиль-Жиар требует равноправия в отношении женщин-художниц. Её предложения были приняты академиками, однако после поражения Революции отменены.
В 1796 году она становится первой женщиной, получившей разрешение иметь своё художественное ателье в Лувре, где Лабиль работает затем со своими ученицами. В последние годы жизни художница часто выставляется в парижских салонах.
10 апреля 2020
10 апреля 1981- В Москве открылся Мемориальный музей космонавтики
Музей космонавтики – один из интереснейших научно-технических музеев столицы. Открытие Музея было приурочено к 20-летию полета в космос Юрия Гагарина, а расположился он в основании уникального памятника – монумента-обелиска «Покорителямкосмоса».
Замысел создания музея принадлежал Главному конструктору ракетно-космических систем С.П. Королеву.
Собрание музея составляет около 70 тысяч единиц хранения. В фондах были собраны и хранятся образцы ракетно-космической техники, архивные документы, кино– и фотоматериалы, предметы нумизматики, филателии, филокартии и фалеристики, произведения искусства, отражающие тему исследования космического пространства.
В настоящее время на официальном сайте музея осуществляется проект #невыходиизкосмоса . Это прекрасная возможность посмотреть виртуальные выставки, принять участие в онлайн-викторине для всей семьи «CosmoQuiz», а каждое утро в 9:40 на официальной странице Instagram проводятся утренние зарядки, как для настоящих космонавтов и ещё много-многое другое.
Музей космонавтики – один из интереснейших научно-технических музеев столицы. Открытие Музея было приурочено к 20-летию полета в космос Юрия Гагарина, а расположился он в основании уникального памятника – монумента-обелиска «Покорителямкосмоса».
Замысел создания музея принадлежал Главному конструктору ракетно-космических систем С.П. Королеву.
Собрание музея составляет около 70 тысяч единиц хранения. В фондах были собраны и хранятся образцы ракетно-космической техники, архивные документы, кино– и фотоматериалы, предметы нумизматики, филателии, филокартии и фалеристики, произведения искусства, отражающие тему исследования космического пространства.
В настоящее время на официальном сайте музея осуществляется проект #невыходиизкосмоса . Это прекрасная возможность посмотреть виртуальные выставки, принять участие в онлайн-викторине для всей семьи «CosmoQuiz», а каждое утро в 9:40 на официальной странице Instagram проводятся утренние зарядки, как для настоящих космонавтов и ещё много-многое другое.
9 апреля 2020
9 апреля 1782 – В Париже открылся один из крупнейших театров Франции «Одеон».
«Одеон не может ни жить, ни умереть, в этом его недостаток… Никто не может его ни убить, ни воскресить: он открывается, чтобы закрыться, он закрывается, чтобы вновь открыться». В эти несколько предложений укладывается вся многовековая судьба театра Одеон.
Здание театра было построено по указанию королевы Марии-Антуанетты, она же и открыла его. Первоначально он предназначался для «главной» сцены страны – театра «Комеди Франсэз».
Название театра было присвоено ему в 1797 году. Оно символизировало преемственность поколений: одеонами в Древней Греции назывались строившиеся еще с V века до нашей эры круговые крытые площадки со зрительскими местами для состязаний в комедийном или музыкальном мастерстве.
Спустя три года здание сгорело во время пожара. Только в 1808 году закончились все реставрационные работы под руководством архитектора Шальгрена, театр открылся под новым именем: «Театр Ее Величества Императрицы и Королевы».
Парижский «Одеон», объединенный в 1946 году с «Комеди Франсэз», вновь обрел самостоятельность в 1959 году, получив название «Театр де Франс».
Сегодня «Одеон» уже не только храм театрального искусства, он является еще и крупнейшей библиотекой, архивом, хранилищем звуковых и видео-материалов, связанных с театром. В этом же здании часто устраиваются чтения неизданных текстов, проводятся философские дискуссии.
«Одеон не может ни жить, ни умереть, в этом его недостаток… Никто не может его ни убить, ни воскресить: он открывается, чтобы закрыться, он закрывается, чтобы вновь открыться». В эти несколько предложений укладывается вся многовековая судьба театра Одеон.
Здание театра было построено по указанию королевы Марии-Антуанетты, она же и открыла его. Первоначально он предназначался для «главной» сцены страны – театра «Комеди Франсэз».
Название театра было присвоено ему в 1797 году. Оно символизировало преемственность поколений: одеонами в Древней Греции назывались строившиеся еще с V века до нашей эры круговые крытые площадки со зрительскими местами для состязаний в комедийном или музыкальном мастерстве.
Спустя три года здание сгорело во время пожара. Только в 1808 году закончились все реставрационные работы под руководством архитектора Шальгрена, театр открылся под новым именем: «Театр Ее Величества Императрицы и Королевы».
Парижский «Одеон», объединенный в 1946 году с «Комеди Франсэз», вновь обрел самостоятельность в 1959 году, получив название «Театр де Франс».
Сегодня «Одеон» уже не только храм театрального искусства, он является еще и крупнейшей библиотекой, архивом, хранилищем звуковых и видео-материалов, связанных с театром. В этом же здании часто устраиваются чтения неизданных текстов, проводятся философские дискуссии.
7 апреля 2020
7 апреля 1805 - В Вене состоялась премьера Третьей симфонии Людвига ван Бетховена.
Дирижировал сам автор симфонии.
По мнению критиков, Третья («Героическая») симфония служит неопровержимым доказательством зрелости Бетховена-композитора. Созвучная освободительному духу Великой французской революции, симфония первоначально была посвящена автором Наполеону, но, когда тот провозгласил себя пожизненным властителем Франции, Бетховен снял свое посвящение.
Третья симфония рождалась в самое тяжёлое для Людвига Бетховена время в жизни. В октябре 1802 года 32-летний, полный сил и творческих замыслов Людвиг узнаёт ужасный приговор: тревожащее его несколько лет ослабление слуха неизлечимо. Его ждёт неизбежная глухота.
В первые же минуты катастрофы на «Титанике» обнаружилось, что спасти удастся только женщин, детей, да и то не всех. Ужас охватил находившихся на пароходе. И тут произошло нечто невероятное. На верхнюю палубу вышли музыканты симфонического оркестра, которые давали вечерние концерты для пассажиров.. Они вышли со своими инструментами в руках, расселись в том же порядке, как всегда сидели в концертах, и заиграли...
Заиграли Третью симфонию Бетховена. Героическую симфонию героического композитора. Симфонию великого музыканта, чья жизнь и чьё творчество были насыщены неустанной, напряжённой борьбой против жестоких ударов судьбы, обрушивавшихся на него с первых до последних дней его жизни, борьбой с горем, унижениями и несправедливостью, борьбой за жизнь, за счастье, за радость.
Дирижировал сам автор симфонии.
По мнению критиков, Третья («Героическая») симфония служит неопровержимым доказательством зрелости Бетховена-композитора. Созвучная освободительному духу Великой французской революции, симфония первоначально была посвящена автором Наполеону, но, когда тот провозгласил себя пожизненным властителем Франции, Бетховен снял свое посвящение.
Третья симфония рождалась в самое тяжёлое для Людвига Бетховена время в жизни. В октябре 1802 года 32-летний, полный сил и творческих замыслов Людвиг узнаёт ужасный приговор: тревожащее его несколько лет ослабление слуха неизлечимо. Его ждёт неизбежная глухота.
В первые же минуты катастрофы на «Титанике» обнаружилось, что спасти удастся только женщин, детей, да и то не всех. Ужас охватил находившихся на пароходе. И тут произошло нечто невероятное. На верхнюю палубу вышли музыканты симфонического оркестра, которые давали вечерние концерты для пассажиров.. Они вышли со своими инструментами в руках, расселись в том же порядке, как всегда сидели в концертах, и заиграли...
Заиграли Третью симфонию Бетховена. Героическую симфонию героического композитора. Симфонию великого музыканта, чья жизнь и чьё творчество были насыщены неустанной, напряжённой борьбой против жестоких ударов судьбы, обрушивавшихся на него с первых до последних дней его жизни, борьбой с горем, унижениями и несправедливостью, борьбой за жизнь, за счастье, за радость.
6 апреля 2020
6 апреля 1820 г. - родился Феликс Надар (Гаспар Феликс Турнашон) – легендарный французский фотограф XIX века, карикатурист, воздухоплаватель, автор первых в мире аэрофотографий.
Художники, которые часто писали портреты по его работам, называли его «Тицианом фотографии». Благодаря Феликсу Надару до нас дошли фотопортреты Сары Бернар, Жорж Санд, Шарля Бодлера, Эжена Делакруа, Александра Дюма, Клода Моне, Жюля Верна, Ивана Тургенева и даже Александра III. Фотографии Надара были настолько художественными, что живописцы с них писали портреты, не приглашая моделей для позирования.
В своих фотопортретах Феликс Надар стремился запечатлеть не только внешний облик человека, но и передать его внутреннюю сущность: черты характера, настроение, мимику, выражение глаз. Он считал, что в фотопортрете можно создать достоверный психологический образ, и ему это удавалось.
Феликс Надар стал пионером аэрофотосъемки, снимал парижские улицы с высоты птичьего полета, с воздушного шара .Он добился успеха и запатентовал идею фотографирования с воздушного шара земной поверхности для нужд картографии и наблюдения за территорией.
Надар оставил свой след даже в репортажной фотографии: в 1861 году он спустился в «Царство мертвых» — парижские катакомбы, протянувшиеся на 330 км под землей в самом центре города. Впервые воспользовавшись электрическим освещением, фотограф запечатлел груды человеческих костей — жуткое напоминание о прошлом.
В 1955 г. во Франции была учреждена премия в области фотографии имени Надара.
Художники, которые часто писали портреты по его работам, называли его «Тицианом фотографии». Благодаря Феликсу Надару до нас дошли фотопортреты Сары Бернар, Жорж Санд, Шарля Бодлера, Эжена Делакруа, Александра Дюма, Клода Моне, Жюля Верна, Ивана Тургенева и даже Александра III. Фотографии Надара были настолько художественными, что живописцы с них писали портреты, не приглашая моделей для позирования.
В своих фотопортретах Феликс Надар стремился запечатлеть не только внешний облик человека, но и передать его внутреннюю сущность: черты характера, настроение, мимику, выражение глаз. Он считал, что в фотопортрете можно создать достоверный психологический образ, и ему это удавалось.
Феликс Надар стал пионером аэрофотосъемки, снимал парижские улицы с высоты птичьего полета, с воздушного шара .Он добился успеха и запатентовал идею фотографирования с воздушного шара земной поверхности для нужд картографии и наблюдения за территорией.
Надар оставил свой след даже в репортажной фотографии: в 1861 году он спустился в «Царство мертвых» — парижские катакомбы, протянувшиеся на 330 км под землей в самом центре города. Впервые воспользовавшись электрическим освещением, фотограф запечатлел груды человеческих костей — жуткое напоминание о прошлом.
В 1955 г. во Франции была учреждена премия в области фотографии имени Надара.
5 апреля 2020
5 апреля 1732 - родился Жан-Оноре Фрагонар – живописец и гравёр чувственного и утонченного периода рококо.
Фрагонар родился в Грассе, провинциальном городке на юге Франции. Во времена его детства Грасс считался «кожевенной столицей», а сейчас имеет славу столицы парфюмерной.
Отец Фрагонара был кожевенником и шил перчатки. Фрагонар-старший одним из первых начал вымачивать телячьи кожи в розовом масле, научился придавать перчаткам запах сандала или ванили. Постепенно из перчаточника он превратился в успешного парфюмера.
Творчество Фрагонара многолико, изменчиво. Он работал практически во всех жанрах с поразительным артистизмом и мастерством: писал маслом, рисовал бистром, сангиной, карандашом, тушью, акварелью. Техника офорта ему тоже была подвластна.
На протяжении всего творческого пути он испытывал влияния разных художников и писал в разных манерах. Но произведения Оноре Фрагонара всегда узнаваемы: в его живописи представлены почти все галантно-эротические мотивы XVIII столетия – это страстные любовные объятия и шаловливая игра, жанровые любовные сценки и обнажённые купальщицы, которые больше напоминают морских наяд. У него более 500 работ!
Августовским днем 1806 в парижской кондитерской Фрагонар тихо умер в ласковых лучах солнца в ожидании мороженого – трудно придумать более подходящий конец для последнего художника эпохи рококо.
В честь Жана-Оноре Фрагонара названы фабрика и музей духов Fragonard. Фабрики расположены в Грассе и в Эзе, также музей в Париже.
Фрагонар родился в Грассе, провинциальном городке на юге Франции. Во времена его детства Грасс считался «кожевенной столицей», а сейчас имеет славу столицы парфюмерной.
Отец Фрагонара был кожевенником и шил перчатки. Фрагонар-старший одним из первых начал вымачивать телячьи кожи в розовом масле, научился придавать перчаткам запах сандала или ванили. Постепенно из перчаточника он превратился в успешного парфюмера.
Творчество Фрагонара многолико, изменчиво. Он работал практически во всех жанрах с поразительным артистизмом и мастерством: писал маслом, рисовал бистром, сангиной, карандашом, тушью, акварелью. Техника офорта ему тоже была подвластна.
На протяжении всего творческого пути он испытывал влияния разных художников и писал в разных манерах. Но произведения Оноре Фрагонара всегда узнаваемы: в его живописи представлены почти все галантно-эротические мотивы XVIII столетия – это страстные любовные объятия и шаловливая игра, жанровые любовные сценки и обнажённые купальщицы, которые больше напоминают морских наяд. У него более 500 работ!
Августовским днем 1806 в парижской кондитерской Фрагонар тихо умер в ласковых лучах солнца в ожидании мороженого – трудно придумать более подходящий конец для последнего художника эпохи рококо.
В честь Жана-Оноре Фрагонара названы фабрика и музей духов Fragonard. Фабрики расположены в Грассе и в Эзе, также музей в Париже.
4 апреля 2020
4 апреля 1758 года - родился Пьер Прюдон - французский живописец и график, девятый сын в семье резчика по камню.
Позже он взял более аристократический псевдоним Пьер-Поль Прюдон.
Общественное признание пришло к Прюдону в 1803 году, когда он получил заказ на выполнение ряда декоративных работ в Лувре. Ему покровительствовала императрица Жозефина - первая жена Наполеона I; в 1805 году он написал ее портрет, который сейчас находится в Лувре.
Впрочем, и вторая жена Наполеона Мария-Луиза Австрийская заказывала картины у Прюдона.
В творчестве Прюдона черты позднего классицизма сочетаются с интимностью, грацией и живописной мягкостью, унаследованными от искусства 18 века.
Источник сюжетов многих произведений Прюдона – античная мифология. Его картины написаны в мягкой, изящной манере и отличаются тонкостью передачи настроения.
К несчастью для Прюдона, он думал, что защищает свои картины, покрывая их лаком собственного изобретения, но на самом деле тем самым он лишь ускорил их старение. Его картины потеряли блеск и опасно потемнели.
Позже он взял более аристократический псевдоним Пьер-Поль Прюдон.
Общественное признание пришло к Прюдону в 1803 году, когда он получил заказ на выполнение ряда декоративных работ в Лувре. Ему покровительствовала императрица Жозефина - первая жена Наполеона I; в 1805 году он написал ее портрет, который сейчас находится в Лувре.
Впрочем, и вторая жена Наполеона Мария-Луиза Австрийская заказывала картины у Прюдона.
В творчестве Прюдона черты позднего классицизма сочетаются с интимностью, грацией и живописной мягкостью, унаследованными от искусства 18 века.
Источник сюжетов многих произведений Прюдона – античная мифология. Его картины написаны в мягкой, изящной манере и отличаются тонкостью передачи настроения.
К несчастью для Прюдона, он думал, что защищает свои картины, покрывая их лаком собственного изобретения, но на самом деле тем самым он лишь ускорил их старение. Его картины потеряли блеск и опасно потемнели.
3 апреля 2020
3 апреля 1862 – Родился Леонид Осипович Пастернак (отец поэта Бориса Пастернака) – русский живописец и график.
Уже в раннем детстве Леонид проявил любовь к рисованию, но родители настояли на более «земной» профессии.
В 1881 году он поступил в Московский университет на медицинский факультет, а через два года перевёлся на юридический факультет в университет Одессы и там учился до 1885 года.
Занятий живописью во время своего студенчества он не прекратил – брал уроки в московской школе-студии Е.С. Сорокина, учился мастерству офорта у И.И. Шишкина, а потом прошел по конкурсу в Королевскую Мюнхенскую академию живописи и уехал в Германию. Эти годы были временем вдохновения и становления мастера.
Леонид участвует в ежегодных выставках передвижников. На очередной выставке картина Пастернака «Дебютантка» привлекает внимание Льва Толстого. Их знакомят, и Пастернаки становятся частыми гостями Толстого в Москве и Ясной Поляне, где художник рисует писателя и создает иллюстрации к «Войне и миру» и «Воскресению», которые были одобрены самим Толстым и отмечены медалью Всемирной Парижской выставки-1900.
Леонид Пастернак вместе с портретистом Виктором Штембером открыли школу живописи и рисунка в Москве. В 1890 году художник стал редактором литературно-художественного журнала «Артист» и сблизился с кружком Василия Поленова, куда входили Валентин Серов, Константин Коровин, Исаак Левитан, Михаил Врубель. Позже из этого объединения вырос «Союз русских художников». Участники кружка пропагандировали полную свободу в творчестве, и Леонид Пастернак первым из русских художников назвал себя импрессионистом.
Уже в раннем детстве Леонид проявил любовь к рисованию, но родители настояли на более «земной» профессии.
В 1881 году он поступил в Московский университет на медицинский факультет, а через два года перевёлся на юридический факультет в университет Одессы и там учился до 1885 года.
Занятий живописью во время своего студенчества он не прекратил – брал уроки в московской школе-студии Е.С. Сорокина, учился мастерству офорта у И.И. Шишкина, а потом прошел по конкурсу в Королевскую Мюнхенскую академию живописи и уехал в Германию. Эти годы были временем вдохновения и становления мастера.
Леонид участвует в ежегодных выставках передвижников. На очередной выставке картина Пастернака «Дебютантка» привлекает внимание Льва Толстого. Их знакомят, и Пастернаки становятся частыми гостями Толстого в Москве и Ясной Поляне, где художник рисует писателя и создает иллюстрации к «Войне и миру» и «Воскресению», которые были одобрены самим Толстым и отмечены медалью Всемирной Парижской выставки-1900.
Леонид Пастернак вместе с портретистом Виктором Штембером открыли школу живописи и рисунка в Москве. В 1890 году художник стал редактором литературно-художественного журнала «Артист» и сблизился с кружком Василия Поленова, куда входили Валентин Серов, Константин Коровин, Исаак Левитан, Михаил Врубель. Позже из этого объединения вырос «Союз русских художников». Участники кружка пропагандировали полную свободу в творчестве, и Леонид Пастернак первым из русских художников назвал себя импрессионистом.
2 апреля 2020
2 апреля – С Днем рождения, Андерсен!
Сегодня целых два замечательных события – День рождения великого датского прозаика и поэта, автора всеми любимых сказок для детей и взрослых – Ганса Христиана Андерсена, а также Международный день детской книги
Безусловно, говорим сегодня о книге и об Андерсене.
Книга Анатолия Кокорина - «Как я рисовал сказки Г. Х. Андерсена».
Анатолий Кокорин - мастер книжной иллюстрации. За иллюстрации к книге «Как я рисовал сказки Г. Х. Андерсена» он был награжден Золотой медалью Академии художеств.
В простой и искренней манере А. Кокорин рассказывает в своей книге о том, как он иллюстрировал сказки Андерсена, как он полюбил их самого детства, и оказалось, что это любовь на всю жизнь. Ему удалось создать ни что не похожий мир сказок великого прозаика.
«Бывает, вдруг тебя охватывает чувство робости перед чистым, нетронутым листом белой бумаги. Боязно прикоснуться к нему. Происходит это, по-видимому, оттого, что задуманное еще окончательно не созрело в твоем сознании, не приобрело конкретности и, закрыв глаза, ты не видишь вынашиваемый образ в пластическом завершении.
Тогда я жду того момента, когда ясность придет.»
Сегодня целых два замечательных события – День рождения великого датского прозаика и поэта, автора всеми любимых сказок для детей и взрослых – Ганса Христиана Андерсена, а также Международный день детской книги
Безусловно, говорим сегодня о книге и об Андерсене.
Книга Анатолия Кокорина - «Как я рисовал сказки Г. Х. Андерсена».
Анатолий Кокорин - мастер книжной иллюстрации. За иллюстрации к книге «Как я рисовал сказки Г. Х. Андерсена» он был награжден Золотой медалью Академии художеств.
В простой и искренней манере А. Кокорин рассказывает в своей книге о том, как он иллюстрировал сказки Андерсена, как он полюбил их самого детства, и оказалось, что это любовь на всю жизнь. Ему удалось создать ни что не похожий мир сказок великого прозаика.
«Бывает, вдруг тебя охватывает чувство робости перед чистым, нетронутым листом белой бумаги. Боязно прикоснуться к нему. Происходит это, по-видимому, оттого, что задуманное еще окончательно не созрело в твоем сознании, не приобрело конкретности и, закрыв глаза, ты не видишь вынашиваемый образ в пластическом завершении.
Тогда я жду того момента, когда ясность придет.»
1 апреля 2020
1 апреля - День рождения Николая Гоголя
Несколько интересных фактов:
Гоголь испытывал страсть к рукоделию. Вязал на спицах шарфы, кроил сестрам платья, ткал пояса, к лету шил себе шейные платки, сам подшивал себе сюртуки.
У Гоголя было много фобий: он боялся грозы и обмороков, быть погребенным заживо и смерти. Из-за боязни обмороков и замирания Николай Гоголь мог большую часть ночи проводить на диване — не ложась в кровать.
Гоголь любил книги, но особенно ему нравились миниатюрные издания, на которые он мог тратить большие деньги: «Страсть к ним до того развилась в нем, — писал первый биограф Гоголя Пантелеймон Кулиш, — что, не любя и не зная математики, он выписал «Математическую энциклопедию» Перевощикова на собственные свои деньги, за то только, что она издана была в шестнадцатую долю листа».
В 1828 году Николай Гоголь вместе с другом Александром Данилевским переехал в Петербург. Он мечтал познакомиться с Александром Пушкиным, поэтому незамедлительно поехал к дому поэта.
Впервые писатели смогли встретиться лишь через два года — знакомство состоялось в мае 1831-го на даче поэта Петра Плетнёва. Пушкин высоко оценил талант Гоголя, он писал: «Сейчас прочел «Вечера близ Диканьки». Они изумили меня. Вот настоящая веселость, искренняя, непринужденная, без жеманства, без чопорности. А местами какая поэзия, какая чувствительность! Все это так необыкновенно в нашей литературе, что я доселе не образумился».
Несколько интересных фактов:
Гоголь испытывал страсть к рукоделию. Вязал на спицах шарфы, кроил сестрам платья, ткал пояса, к лету шил себе шейные платки, сам подшивал себе сюртуки.
У Гоголя было много фобий: он боялся грозы и обмороков, быть погребенным заживо и смерти. Из-за боязни обмороков и замирания Николай Гоголь мог большую часть ночи проводить на диване — не ложась в кровать.
Гоголь любил книги, но особенно ему нравились миниатюрные издания, на которые он мог тратить большие деньги: «Страсть к ним до того развилась в нем, — писал первый биограф Гоголя Пантелеймон Кулиш, — что, не любя и не зная математики, он выписал «Математическую энциклопедию» Перевощикова на собственные свои деньги, за то только, что она издана была в шестнадцатую долю листа».
В 1828 году Николай Гоголь вместе с другом Александром Данилевским переехал в Петербург. Он мечтал познакомиться с Александром Пушкиным, поэтому незамедлительно поехал к дому поэта.
Впервые писатели смогли встретиться лишь через два года — знакомство состоялось в мае 1831-го на даче поэта Петра Плетнёва. Пушкин высоко оценил талант Гоголя, он писал: «Сейчас прочел «Вечера близ Диканьки». Они изумили меня. Вот настоящая веселость, искренняя, непринужденная, без жеманства, без чопорности. А местами какая поэзия, какая чувствительность! Все это так необыкновенно в нашей литературе, что я доселе не образумился».
Режим
работы
центра
Вход в залы прекращается за 15 минут до закрытия музейно-выставочного центра
Цены билета на выставки
-
Художественные выставки художников города Твери и других городов Россииот 50 руб. до 200 руб.
-
Коммерческие выставкиот 100 руб. до 1000 руб.
*цены на мероприятие указаны на странице мероприятия
Выставки
сейчас
Экскурсии
-
Взрослые700 р.
-
Студенты / Пенсионеры600 р.
-
Школьники600 р.
-
Дети, не достигшие 7 лет600 р.
*льготная цена на экскурсии для студентов, пенсионеров, школьников и детей, не достигших 7 лет, действует, если в составе группы превалирует количество участников данных категорий.
Полезные ссылки
Решаем вместе
Есть вопрос?
Напишите нам
