31 мая в 1862 года родился Михаил Васильевич Нестеров - русский и советский художник-живописец. Заслуженный деятель искусств РСФСР. Лауреат Государственной премии.

Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. Перова, А. Саврасова и И. Прянишникова, входил в Товарищество передвижных выставок.

На рубеже XIX-XX веков художник увлекается религиозной тематикой, в которой его привлекали духовность, согласие с природой, красота обрядов, аскетическая строгость монашества. Лучшие произведения этого цикла – «Видение отроку Варфоломею», «Пустынник», «Под благовест», «Великий постриг» и др. За более чем 50 лет творческой работы Нестеров создал 15 больших произведений, посвящённых Сергию Радонежскому.

Занимался он и церковными росписями. В 1890 году В. Васнецов, возглавлявший работы по оформлению Владимирского собора в Киеве, поручает Нестерову исполнить запрестольный образ собора «Рождество Христово». После этого следует заказ на мозаики для храма Спаса на крови в Петербурге, на росписи Марфо-Мариинской обители в Москве и храма Александра Невского в Абастумане (здесь Нестеров выполняет большинство работ и руководит оформлением: в ГРМ хранится более 50 эскизов орнаментов).

После революции 1917 года художник перестает писать символические картины, проникнутые богоискательством, и переходит на портреты. В 1941 за портрет физиолога Павлова М.Нестерову была присуждена Сталинская премия первой степени, а через год, в честь 80-летнего юбилея Нестеров был удостоен звания заслуженного деятеля искусств РСФСР и награжден орденом Трудового Красного Знамени.

30 мая в 1846 году родился Петер Карл Густавович Фаберже - известный ювелир, российский немец по происхождению, глава семейной фирмы и династии мастеров ювелирного искусства. Является создателем знаменитых изделий – яиц Фаберже, которые высоко ценятся у коллекционеров всего мира.

Первый успех пришел к Фаберже в 1882 году на Всероссийской промышленно-художественной выставке в столице России, где представленные Фаберже образцы современного ювелирного искусства в виде изящных дамских украшений принесли ему золотую медаль.

Фирма Фаберже славилась в Европе. Многие родственники императорской семьи в Великобритании, Дании, Греции и Болгарии получали изделия ювелира в подарок. В 1900 году в Париже Фаберже получил звание «мастера Парижской гильдии ювелиров», а также его наградили орденом Почётного легиона.

Знаменитая коллекция пасхальных яиц Фаберже была создана им по императорскому заказу и составляла в общей сложности 54 пасхальных яйца. Сегодня с достоверностью известно, что до нашего времени сохранились 45 пасхальных яиц, сделанных по царскому заказу; сохранилась фотография еще одного; еще 5 известны по описаниям. Сохранилось также одно из двух незавершенных пасхальных яиц, работы над которыми велись в 1917 году.

После Октябрьской революции фирма и имущество семьи Фаберже было конфисковано и разграблено.

В 2004 году, благодаря покупке российского бизнесмена Виктора Вексельберга, коллекция Форбса (пасхальные яйца Фаберже), приобретенная за 100 миллионов долларов, вернулась на Родину.

29 мая в 1910 году родился Александр Иванович Лактионов - русский советский живописец и график. Народный художник РСФСР, академик АХ СССР, Лауреат Государственной премии.

Выходец из семьи заводского кузнеца и прачки-надомницы, Александр в 19 лет освоил ремесло каменщика, работал чертёжником. Учился в Ленинградской Академии художеств у И.И. Бродского, затем в аспирантуре этой академии у И.Э. Грабаря. Следуя девизу Бродского «Ближе к натуре!», он не только осваивал приёмы современной ему живописи, но и специально изучал технику письма старых мастеров.

Известен главным образом как жанрист и портретист, хотя в наследии художника присутствуют выполненные на высоком уровне пейзажи и натюрморты.

Заслуженной популярностью пользуется его написанная в 1947 году картина «Письмо с фронта», мастерски передающая цветовые и светотеневые свойства натурных планов, их переходы, а также настроение персонажей. Спустя время, именно за это полотно, художник получил самую высокую награду того времени — Сталинскую премию первой степени. Кстати, с этого полотна художник впоследствии написал шесть авторских копий.

За свою творческую карьеру немало написал автопортретов. Их всех объединяло одно: на них был изображен человек без улыбки. Его современники также отмечали такую характерную черту в облике художника, как-то мрачно смотрящего исподлобья ни то на собеседника, ни то в внутрь себя.

28 мая в 1740 году родился Федот Иванович Шубин - наиболее значительный русский скульптор-портретист XVIII века, представитель классицизма.

Являлся мастером-косторезом холмогорской резной кости.

Зимой 1759 года Федот по примеру своего великого земляка отправился с рыбным обозом в столицу. Два года юноша резал табакерки, веера, гребни, безделушки, которые охотно покупали в Петербурге.

В 1761 году, покровительствуемый Ломоносовым и первым попечителем Академии художеств Шуваловым, Федот Шубной был внесен в списки учеников под именем Федота Шубина.

В 1774 году Академия художеств, нарушив устав, согласно которому звание академика полагается только за произведения исторического или мифологического жанра, присуждает его Шубину за портретный бюст императрицы. Такое исключение стало возможным потому, что было известно о благоволении к скульптору и придворной знати, и самой Екатерины II.

Шубин работал в основном с мрамором, очень редко обращался к бронзе. Его работы относят к стилю классицизм. Мастер создал много портретов, при этом работал быстро: не менее одного в месяц. Все желали иметь портреты, сделанные любимцем императрицы.

27 мая в 1877 году родилась Айседора Дункан - американская танцовщица-новатор, основоположница свободного танца, легендарная женщина.

В ней были воплощены все те идеальные качества, которыми должны владеть все представительницы слабого пола. Она была популярной танцовщицей и супругой великого русского поэта Сергея Есенина.

Айседору называли гениальной женщиной, ее сравнивали с родоначальниками новых стилей и эпох в танце. Большинство критиков считали, что Дункан перевернула и повседневность, и танец. В своих танцах она использовала классические музыкальные мотивы. При помощи танцев Дункан иллюстрировала нетленные произведения П. Чайковского и Л. Бетховена. Она магически воздействовала на зрителей. Вместо специального балетного костюма она выходила на сцену и грациозно танцевала в хитоне и непременно босиком.

Свои танцевальные выступления Айседора начала со светских раутов, на которых ее, исполнявшую танец босиком, всегда воспринимали как экзотическую диковину.

В Россию Айседора приехала в 1907 году. Здесь она давала концерты в городе на Неве, где и знакомится со Станиславским.

Через 14 лет она приезжает работать в Россию по приглашению Луначарского, который посоветовал ей создать собственную танцевальную школу в Москве.

Впоследствии она примет российское гражданство и выйдет замуж за Сергея Есенина. Однако их совместная жизнь была коротка. Через год после свадьбы она вернется в Штаты.

26 мая в 1865 году родился Аксели Вальдемар Галлен-Каллела - финский художник шведского происхождения, наиболее известный по иллюстрациям к Калевале.

В период пробуждения финского национализма изменил свою шведскую фамилию «Галлен» на финский манер – «Каллела», и объединил оба написания в двойную фамилию.

Его называют символистом, модернистом, реалистом и экспрессионистом. Галлен-Каллела был специалистом широкого профиля и живописью не ограничивался. Он писал фрески, разрабатывал дизайн ковров, сам спроектировал собственный дом (ныне музей), а когда Финляндия обрела независимость, взялся за национальную айдентику — разрабатывал дизайн флагов-гербов-орденов и униформы независимой Финляндии. Художником был разработан финский форменный штык-нож образца 1919, выпускавшийся компанией «Fiskfrs».

Поселившись в селении Руовеси Галлен-Каллела глубоко проникся эпосом Калевалы, легенды которой стали для него путеводной звездой на многие годы. Помимо иллюстраций к известному карело-финскому произведению, художник писал пейзажи, портреты, иллюстрации к другим литературным произведениям.

Посещение Германии в 1890 принесло знакомство с мастерами европейского модерна. Этот стиль, а также элементы живописного символизма начали появляться и в его полотнах («Легенда об Айно»). Галлен-Каллела был другом и сподвижником Н.К.Рериха. Двух живописцев объединил интерес к легендарному прошлому Севера, взгляд на мир через историю и мифологию.

25 мая в 1869 года в столице Австрии состоялось открытие здания Венской оперы постановкой «Дон Жуан» Моцарта.

Долгое время считалось, что это здание – одно из лучших театральных зданий мира, а сама Венская государственная опера (до 1918 года Венская придворная опера) стала крупнейшим и ведущим оперным театром Австрии, центром музыкальной культуры страны.

Придворная опера в Вене возникла в середине 18 века, но спектакли шли в различных театрах. В 1861 году по желанию императора Франца Иосифа I было начато строительство специального здания для Венской оперы по проекту архитектора фон Зиккардсбурга, интерьер разработал Эдуард ван дер Нюлль.

Сегодня Венская государственная опера – одна из ведущих оперных сцен мира. Она по праву считается хранительницей лучших традиций венской классической школы, и в первую очередь Моцарта, в ее репертуаре представлен срез всей оперной литературы. На знаменитой сцене свыше 60 опер и балетных произведений за 285 дней в сезоне – такая плотность представлений возводит Венскую оперу в международном масштабе на первое место.

Раз в году сцена и паркет Государственной оперы преображаются на одну ночь в огромный бальный зал – здесь проходит всемирно известный венский Оперный бал, где почетным председателем является президент Австрии, а более ста пар дебютантов в длинных вечерних платьях и фраках открывают этот бал балов.

24 мая в 1830 году родился Алексей Кондратьевич Саврасов - русский художник-пейзажист, один из членов-учредителей Товарищества передвижников.
Саврасов стал родоначальником русской школы лирического пейзажа, или «пейзажа настроения».
В 1854 году на пейзажи молодого живописца обратила внимание великая княгиня Мария Николаевна, бывшая тогда президентом Академии художеств. Саврасов ей настолько понравился, что получил от нее приглашение работать на её даче, находящейся между Петергофом и Ораниенбаумом.
Летом 1854 года Саврасов работал на Финском заливе под Петербургом, а на осенней выставке в Академии художеств показал две картины «Вид в окрестностях Ораниенбаума» и «Морской берег в окрестностях Ораниенбаума», за которые ему было присвоено звание академика.
В начале 1870-х годов Саврасов открыл для себя Волгу. С этой рекой связана целая эпоха его творчества. Несколько лет подряд художник каждый год приезжал на берега реки, создавая прекрасные пейзажи. Именно в этих местах были написаны знаменитые «Грачи прилетели», показ которых на первой выставке «Товарищества передвижных художественных выставок» имел ошеломительный успех. Такого публичного признания у Саврасова больше не было.
Этюды с натуры для картины «Грачи прилетели» Саврасов сделал ранней весной 1871 года в селе Молвитино (ныне Сусанино) в Костромской губернии. Работа над самой картиной велась в Ярославле и в Москве. Летом 1871 года картину в мастерской художника увидел Павел Третьяков и сразу же приобрел ее.

23 мая в 1795 году родился Чарльз Бэрри - английский архитектор эпохи викторианской эклектики, представитель неоклассики и неоготики, известен, прежде всего, как создатель проекта здания Английского парламента.
Самой знаменитой его работой является ансамбль парламента с башнями Виктории и Часовой (Биг Бен), созданный им вместе с О. Пьюджином.
Всеобщую известность ему принёс проект по восстановлению Вестминстерского дворца, выполненный им совместно с архитектором Огастесом Уэлби Пьюджином в 1836 году, после пожара октября 1834 года, уничтожившего старое здание Вестминстера.
Под руководством Бэрри парламентский комплекс был восстановлен в течение 30 лет в подражание средневековой английской готике. Входящая в комплекс башня Биг Бен стала визитной карточкой Лондона.
Официальное название Биг-Бена было «Часовая башня Вестминстерского дворца». В 2012 году по решению британского парламента эту достопримечательность Англии переименовали в Башню Елизаветы (в честь 60-летия правления королевы).

22 мая 1856 года основана Государственная Третьяковская галерея – национальный музей русского изобразительного искусства X–XXI веков.
Коллекционером, купцом и текстильным фабрикантом Павлом Михайловичем Третьяковым были приобретены первые картины художников Шильдера «Искушение» и Худякова «Стычка с финляндскими контрабандистами», положившими начало коллекции картин.
Поставив себе еще в молодые годы цель создать музей русской национальной школы живописи, Третьяков посвятил этому свыше 40 лет жизни. Он был в дружеских отношениях с художниками-передвижниками, всячески их поддерживал, в том числе и материально, благодаря чему в коллекцию попали лучшие произведения передвижников.
В 1881 году галерея была открыта для всеобщего обозрения, а в 1892 году Павел Третьяков принес свое собрание в дар Москве. В это время в состав коллекции входило 1287 живописных произведений, 518 рисунков и 9 скульптур. Позднее в коллекцию вошли картины, принадлежавшие брату Третьякова – Сергею Михайловичу.
До Октябрьской революции галерея называлась Московская городская художественная галерея Павла и Сергея Третьяковых. В 1918 году вышел декрет о национализации галереи, и она получила наименование Государственной Третьяковской галереи.
В начале XX века Третьяковская галерея становится одним из крупнейших художественных музеев России и Европы.
В настоящее время коллекция Третьяковской галереи насчитывает более 100 тыс. произведений искусства.

21 мая в 1471 года родился Альбрехт Дюрер - немецкий живописец, рисовальщик и гравер, один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса.
Признан крупнейшим европейским мастером ксилографии, поднявшим её на уровень настоящего искусства.
Основоположник сравнительной антропометрии. Первый из европейских художников, написавший автобиографию.
Дюрер стал первым теоретиком искусства среди североевропейских художников, автором практического руководства для художников на немецком языке.
Он заслужил широкую известность как математик, прежде всего, геометр, изучавший теорию перспективы, построения геометрических фигур и разработку шрифтов.
Альбрехт Дюрер был равно одарен как живописец, гравер и рисовальщик. Наследие Дюрера-рисовальщика, насчитывающее более 900 листов, по обширности и многообразию может быть сопоставлено только с наследием Леонардо да Винчи.
Он оставил весомый вклад в витражное дело как дизайнер: по его схемам и наброскам создавали витражи другие стекольщики.
Он был приятным собеседником, с речью «сладостной и остроумной». Все знавшие художника считали его достойным, «превосходнейшим» человеком, он стремился к добродетели, но не был ни мрачным, ни высокомерным.
Дюрер умел наслаждаться жизнью «и даже в старости пользовался благами музыки и гимнастики в той мере, в какой они доступны этому возрасту».

20 мая в 1899 году родился Александр Александрович Дейнека - советский живописец, график, художник монументально-декоративного искусства и скульптор, педагог, академик АХ СССР.
Живопись у Дейнеки как плакат - лаконична, выразительна и прямолинейна. В основном, работы художника выполнены в духе эпохи спартакиад, новых строек, индустриализации, появления нового человека. Дейнека - мастер движения – у него всегда свое понимание времени и пространства, устремленного в будущее. Художник любит передавать сложные движения, активные действия – вот что его завораживает в живописи. В его картинах смелые ракурсы, активное обращение к графике.
Дейнека поклоняется природе, в пейзажах любит просторы, высокие небеса, ясный далекий горизонт. Он очень точен в передаче своеобразия природы, городской действительности.
Художник в своем творчестве никогда не ограничивался живописью, одним из первых он стал возрождать древнее искусство мозаики и фрески. Вдохновившись в Италии монументальными работами эпохи Возрождения, в 1930-х годах воплотился мозаичный цикл панно на станции метро Маяковская в Москве.
Интенсивно работал Дейнека и в годы Великой Отечественной войны. Одна из лучших его живописных многофигурных композиций — "Оборона Севастополя"— исполнена в 1942 году.
В 2017 года на аукционе русского искусства MacDougall’s в Лондоне полотно Дейнеки «Герои первой пятилетки» ушла с молотка за £2,8 млн ($3,6 млн!).

19 мая в 1593 году родился Якоб Йорданс - фламандский живописец, один из выдающихся представителей фламандского барокко.
Писал картины религиозного, исторического, мифологического, аллегорического содержания, а также бытовые жанровые картины с фигурами в натуральную величину и портреты.
Картины Йорданса может отличить от остальных полотен фламандцев даже не особенно сведущий человек – работы его излучают оптимизм, прославляют красивую простоту человеческих отношений.
Йорданс часто обращался к бытовому жанру, изображая сцены из жизни крестьян и бюргеров, часто – по мотивам пословиц, размещая на холсте много персонажей, наполняя картины грубоватым юмором. В нескольких произведениях на тему «бобового короля», например, отражается старинная игра, когда в пирог запекалось одно бобовое зерно, и тот, кому оно попадалось, становился «королем» вечера.
Якоб Йорданс иногда в течение дня заканчивал портрет или писал целую фигуру в рост. Вследствие этого число его полотен чрезвычайно велико. Насчитывается до 700 картин Йорданса, их можно встретить практически во всех известных музеях и галереях.
Помимо живописных произведений, Йорданс оставил после себя несколько сотен рисунков, а также много занимался дизайном гобеленов, в то время самым прибыльным из всех видов искусства.
Прожив всю жизнь в Антверпене и практически не выезжая за его пределы, художник не получил международной известности, он и не искал ее.

18 мая в 1909 году родился Виктор Борисович Корецкий - советский график-плакатист, заслуженный художник России, лауреат двух Государственных премий СССР.
Еще обучаясь в художественном техникуме, Виктор общался с известными авангардистами 1930-х годов – Малевичем, Кандинским и Лебланом, учеником которого себя считал. Но к авангардному искусству душа его не лежала, реализм был ему ближе.
Определяющим жанром творчества на долгие годы стал плакат. Он и принес художнику славу, мировую известность, награды. Его плакат «Партизанская колыбельная» приобрела Дрезденская галерея.
Корецкий создал около 700 работ, но самая дорогая и памятная «Воин Красной Армии, спаси!». «Тема плаката определилась для меня сразу, ее выдвигала сама жизнь. Плакат создавался в напряженное время, когда враг рвался к Волге и все человечество было потрясено беспримерным героизмом несгибаемых защитников Сталинграда…», - вспоминал В.Корецкий. Внутренняя сила и динамика плаката вели солдат в сражение с фашистами, порой увереннее командирского приказа. Однажды в мастерскую художника пришел убеленный сединами полковник с рядами планок боевых наград на груди. Увидев на стене оригинал этого плаката, он опустился на колени, и скупая мужская слеза медленно потекла по его лицу.
Виктор Корецкий никогда не был ни дерзким разведчиком, ни отважным партизаном, ни армейским командиром, однако Гитлер считал его злейшим врагом Третьего рейха и назначил большую награду за голову «ненавистного еврея», метко сражавшегося с нацизмом с помощью плаката.
Автор говорил: «Плакат — это выстрел в нужный момент, иначе он превращается в анахронизм». Последние годы — а Корецкий умер в 1998-м — мастер находился в забвении. Жанр, которому он отдал столько лет, оказался на периферии художественной жизни.

17 мая в 1871 года родилась Анна Петровна Остроумова - Лебедева - русская советская художница, гравёр и живописец, акварелист, представительница русского модерна, выдающийся мастер видовой гравюры (пейзажи Петербурга).
Остроумовой-Лебедевой принадлежала главная роль в деле возрождения в России станковой гравюры на дереве, особенно велика заслуга художницы в возрождении гравюры цветной.
Архитектурный пейзаж, тем более выполненный в гравюре – необычная тема для художницы тех лет, и это было тем более неожиданно для тех, кто обманывался невинным и мягким обликом Анны. Невысокая, скромная женщина в пенсне (у нее с юности было плохое зрение), она казалась скорее чьей-то доброй тетушкой, а на деле обладала железным характером и бесконечным стремлением к самосовершенствованию.
Ее восхищала беспощадность гравюры, четкость и определенность ее линий – никаких туманностей, никаких колебаний.
Основной темой ее гравюр был Петербург, изображению которого она посвятила несколько десятилетий неустанного труда. Ее цветные и черно-белые гравюры – как станковые, объединенные в циклы («Петербург», 1908-1910; «Павловск», 1922-1923 и др.), так и исполненные для книг В.Я. Курбатова «Петербург» и Н.П. Анциферова «Душа Петербурга» – до сих пор непревзойденны по точности ощущения и передачи величественной красоты города. Воспроизводимые по многу раз и по разным поводам, они давно стали хрестоматийными и пользуются исключительной популярностью.
Великую Отечественную войну Анна Петровна провела в блокадном Ленинграде, не оставляя любимого дела и завершая работу над третьим томом «Автобиографических записок». Последние годы жизни художницы были омрачены надвигающейся слепотой, но, пока было возможно, она продолжала творить.

16 мая в 1898 года родилась Тамара де Лемпицка - польская и американская художница. Она же "Дива Арт-Деко", она же "Икона эпохи Джаза", она же "Королева Модерна". Миллионерша, светская львица, предвестница эпохи гламура, загадочная и экстравагантная.
Тамара сделала всё, чтобы запутать факты и даты своей биографии, многократно ее переписывая, вычеркивая все неудобное и неблагозвучное.
Встать к мольберту Тамаре пришлось не от хорошей жизни. Революция, бегство из России, разорение, рождение дочери заставило Тамару взвалить на свои хрупкие плечи ответственность за семью и начать «крутиться» самой. Художница попала в струю, заняв свою нишу в живописи. В возрасте 30 лет она заработала свой первый миллион.
Её работы сочетают ар-деко и кубизм, флорентийских маньеристов и классицизм Энгра. Отличительный и смелый художественный почерк художницы развился быстро и был вдохновлен тем, что Андре Лот называл «мягким кубизмом» . Её техника была чистой, точной и элегантной.
Завсегдатай светской хроники, участница вечеринок творческой богемы, «баронесса с кисточкой» и любимая художница голливудских звезд и аристократов, Тамара де Лемпицка была частью богемного Парижа во времена ревущих 1920-х годов, она была знакома с Пабло Пикассо, Жаном Кокто и Андре Жидом. Художница портретировала светских дам, коронованных особ и миллионеров, но не забывала и себя. Ее автопортрет в зеленом «Бугатти» считается первым изображением женщины за рулем автомобиля.
Перед художницей открывались двери лучших галерей, за ее портретами выстраивались очереди заказчиков. Журналы публиковали ее работы на обложках и писали хвалебные статьи, в которых превозносили модную художницу до небес, называя свободной, независимой, самодостаточной.
Работы художницы присутствуют во многих видеоклипах певицы Мадонны.

15 мая 1848 родился Виктор Михайлович Васнецов - один из самых прославленных художников-модернистов.
Отец Васнецова, видя талант сына и его тягу к творчеству, разрешил ему оставить обучение в духовной семинарии и поступить в Академию художеств.
С 1878 года Васнецов являлся членом Товарищества передвижников, путешествовал по Европе - посетил Францию и Италию, затем жил в Петербурге и Москве.
В.Васнецов выполнил около 200 иллюстраций к «Народной азбуке», «Солдаткой азбуке», к «Русской азбуке для детей», им были иллюстрированы сказки «Конёк-Горбунок», «Жар-птица» и др.
Настоящий пик творчества Васнецова приходится на тот период, когда он находит себя в стиле модерн. Его можно считать основоположником особого русского стиля. Для этого он преобразовал русский исторический стиль, обогатив его легендарными и сказочными сюжетами.
В то же время некоторые из картин этого периода представляют собой типичные для модернизма декоративные панно. Кто не знает «Аленушку», «Ивана царевича на сером волке», знаменитых былинных богатырей?
Принципы «Русского стиля» художник воплощал не только в живописи, но и в архитектуре. По его эскизам построен фасад Третьяковской галереи, возведена церковь Спаса-Нерукотворного в Абрамцево.
В 1883-1885 годах художник работал над созданием монументального панно «Каменный век» для Исторического музея в Москве.
Художник был глубоко верующим человеком, поэтому увлечённо занимался коллекционированием икон. Позднее творчество Васнецова связано также с религиозными мотивами. Самой масштабной работой Васнецова стала роспись киевского Владимирского собора в 1885-1896 годах., которая длилась десять лет жизни художника.

14 мая в 1727 году крещен Томас Гейнсборо - английский живописец, график, портретист и пейзажист.
Гейнсборо мечтал писать тихие сельские пейзажи, однако вынужден был делать портреты на заказ. Художник создал совершенно новый жанр – пейзажный портрет, где человек и природа существуют неразделимо.
В работе Гейнсборо использовал необычные вещи, а обычные превращал в необычные. Чтобы добиться тонкого и плавного («текучего») мазка, он пользовался жидкими красками и очень длинными кистями. Длина их составляла около 180 см. Работать такими кистями можно было только стоя. Так Гейнсборо и стоял за мольбертом с полутораметровой кистью по 5−6 часов в день. Тени на полотне он намечал кусочком губки, притороченным к палочке, блики — маленьким кусочком белил, зажатым щипчиками для сахара. Если Гейнсборо задумывал писать пейзаж, он сооружал модель ландшафта прямо у себя в мастерской. Рисовать просто по памяти Гейнсборо не любил.
Гейнсборо обожал музыку и сам был превосходным музыкантом. Дружил с музыкантами больше, чем с художниками. Играл практически на всех музыкальных инструментах, какие только существовали в Англии XVIII века — от цитры до виолы да гамба (прообраза современной виолончели).
К собакам Гейнсборо относился с нежностью. Собаки позировали Гейнсборо наравне с хозяевами и нередко выходили на холсте более симпатичными, чем их владельцы.
Слава же пришла к художнику незадолго до смерти: в конце XVIII века возникло тяготение публики к пейзажу и сентиментальному портрету, где через красоту природы передана душевная красота человека.
Слова художника: «Пишу портреты, поскольку нужно на что-то жить, пейзажи – потому что люблю их писать, музыкой же занимаюсь по велению сердца».

13 мая в 1882 году родился Жорж Брак - французский живописец, график, скульптор, сценограф, один из основателей кубизма, автор многих декоративно-изящных композиций.
Начинал он как художник-декоратор. Был близок к фовизму, испытал влияние Матисса и Дерена, выставлялся в Салоне Независимых в 1906 и 1907 годах. После открытия для себя живописи Сезанна и встречи с Пикассо, резко изменил художественную манеру.
Кубизм – вот новый идол Брака. Место цвета заняли геометрические формы и перспектива. Эти более сложные формы требовали особого изучения, Брак дополнительно занимается изучением света и перспективы. Тогда же Брак заинтересовался иллюзиями, которые можно изобразить на бумаге, и художественными представлениями.
1909 год ознаменовался совместной работой с П.Пикассо. Вместе с ним были разработаны теоретические основы кубизма. Именно это сделало Жоржа позже всемирно знаменитым.
Известно, что глядя на его картину, Матисс впервые употребил слово «кубики». И, глядя на нее же, критик Луи Воксель образовал от этого слова «кубизм».
Несомненным новаторством Брака являлось введение в картину разных буквиц, цифр, музыкальных знаков и обрывков фраз, что создавало странное сочетание двух изначально разных смысловых пространств – как бы изображенного реального и знакового, которые, становились в работе одним пространством.
В период 1949-56 годов создал цикл из восьми больших полотен «Мастерские», ставший вершиной его творчества. Натюрморты с атрибутами искусств, размещенные в обширных пространствах, туго переплетенные формы, вязкие землистые тона пронзаются изображением белой птицы, символа творческого полета.
В 1950-х годах исполнил ряд декоративных работ: занимался церковными витражами, оформил потолок в этрусском зале Лувра. Сквозной мотив позднего творчества Брака – летящая птица. Образ летящей птицы превращается в искусстве Брака в олицетворение природы, в символ свободы, духовного полета и самого творчества.

12 мая в 1907 году родился Дементий Алексеевич Шмаринов - русский советский художник, мастер книжной иллюстрации.
Он 70 лет посвятил искусству, активно работал в станковой живописи, графике. Наиболее известна его серия на тему II-й мировой войны «Не забудем, не простим».
Но подлинным призванием мастера явилась книжная иллюстрация. Шмаринов проиллюстрировал более 200 книг – А. Пушкина, Н. Некрасова, Л. Толстого, А. Горького, Н. Гоголя, А. Толстого, Ф. Достоевского, У. Шекспира, Э. Хемингуэйя и др. – подарив новую жизнь этим произведениям.
Иллюстрирование художественной литературы – это тонкое и сложное искусство. Помимо обширных знаний это еще титаническая подготовительная работа, многолетняя, вдумчивая, кропотливая. Дементий Шмаринов не только глубоко исследовал материал, он вживался в эпоху иллюстрируемого произведения, проникался его атмосферой, ходил в музеи и архивы, ездил на места событий.
Работая над романом Ф. Достоевского «Преступление и наказание», он жил в Петербурге и нашел там все, что описано в романе – улицы, дома, дворы. Иллюстрируя «Войну и мир» Л. Толстого, уехал в Ясную Поляну. Никогда не упускал случая, побывать на набережной Мойки – в квартире А.С. Пушкина. И результат такого подхода – подлинность изображаемого, историческая достоверность и художественная образность, яркость и сила психологических характеристик.
Над иллюстрациями «Войны и мира» Шмаринов работал 7 лет и был удостоен за этот труд Ленинской премии. На разных этапах творческой жизни Дементий Алексеевич иллюстрировал произведения Пушкина («Повести Белкина», «Дубровский», «Капитанская дочка»). Роман Достоевского «Идиот» стал последней его оформительской работой.

11 мая в 1904 родился Сальвадор Дали в испанском городе Фигерасе (Каталония)- легендарный сюрреалист, звезда среди художников и крайне неординарная персона.
Дали утверждал, что был гениальным уже в чреве матери. В голове юного дарования всегда жила мысль: как стать знаменитым? Как выделиться из огромного круга талантов? Тщеславие – могучий рычаг для одаренного человека. Кого-то оно ведет к подвигу, кого-то заставляет проявить лучшие стороны характера и души, Дали решил идти совершенно иным путем: он решил шокировать!
Начав самостоятельную дорогу в живописи, Дали принялся бороться со здравым смыслом. Помимо того, что он безостановочно писал свои жуткие фантазии, он вел себя весьма оригинально. Сальвадор Дали был гением саморекламы, поэтому совершенно ясна его следующая тирада: «Наше время – эра кретинов, эра потребления, и я был бы последним идиотом, если бы не вытряс из кретинов этой эпохи все, что только можно». Прийти на светский раут с муравьедом – это ещё ничего не значит. Любитель по-настоящему выделяться из толпы придумал костюмчик что надо: пиджак, к которому были подвешены 83 стаканчика с мятным ликёром. В каждом стакане красовалась мёртвая муха.
Дали придумал логотип «Чупа-Чупс». Взамен он получал бесплатно леденцы. Искусственные ногти, которые сейчас так популярны, тоже придумал он. Изначально в них были встроены маленькие зеркала, чтобы смотреться.
Обожавший все нетрадиционное, все «наоборот», Дали был женат на удивительной женщине, которая вполне была ему под стать. Настоящее имя ее – Елена Дмитриевна Дьяконова, хотя в историю она вошла под именем Гала Дали. Гала в переводе с французского означает «праздник». На самом деле так и было: для Дали Гала стала праздником вдохновения, главной моделью.
После смерти жены художник практически не рисовал. Он сидел дома и ни с кем не общался.
После смерти тело художника замуровали в пол в музее Дали в Фигерасе. Такова была его последняя воля.

10 мая 1841 года родился Маковский Николай Егорович - живописец-жанрист и мастер городского пейзажа. Сын основателя Московского Училища живописи, ваяния и зодчества Е. И. Маковского; средний из братьев-художников Маковских.Окончил Дворцовое архитектурное училище;
В Академию поступил на архитектурное отделение и после её окончания служил архитектурным помощником при Министерстве императорского двора. Один из учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
В 1873 г. получил звание классного художника II степени. Увлекался архитектурными видами.
осле путешествия по Египту (1874) создал ряд великолепных жанровых работ, в которых архитектура является основой внешней обстановки сюжета («Каир», 1874, ГРМ; «В Каире», 1874, Пермская областная художественная галерея; «Улица в Каире», 1877, Ярославский художественный музей; «Улица в Каире», 1876, ГРМ). В них Николай Маковский проявил себя как прекрасный мастер воздушной перспективы и светотеневой моделировки объёма.
Автор видов исторической части Москвы («Вид Москвы», после 1881 г., ГРМ; «У Крутицкого терема в Москве», ГТГ; «Благовещенский собор в Москве, 1884, ГРМ), убедительно передающих стилистику древней московской архитектуры, в малом масштабе решающих задачу панорамного охвата пространства.

9 мая 1995 в Москве состоялось торжественное открытие мемориального комплекса Победы на Поклонной горе.
Впервые соорудить здесь памятник, было предложено еще в 1942 году архитектором Я.Черниховским, но осуществить не удалось. Лишь в 1958 году 23 февраля на Поклонной горе был установлен гранитный знак с надписью «Здесь будет сооружен памятник Победы советского народа в Великой Отечественной войне 1941-1945 годов». Тогда же вокруг него посадили деревья, и вскоре здесь заложили парк, который назвали Парком Победы. Строительство началось в 1985 году и продолжалось 10 лет.
Комплекс представляет собой архитектурно-скульптурный ансамбль, куда входят монумент Победы, Центральный музей Великой Отечественной войны, Храм Св. Георгия Победоносца, Мемориальная мечеть, Мемориальная синагога, музей Холокоста, Часовня, воздвигнутая в память об испанских добровольцах, выставка военной техники, а также ряд скульптурных композиций.
Главный объект комплекса – Центральный музей Великой Отечественной войны, в котором хранится около 50 тысяч экземпляров, посвященных военной истории. Это подлинные предметы вооружения и боевой техники, нумизматика, филателия и филокартия, предметы быта, рукописно-документальные и фотоматериалы о войне. В музее хранится Знамя Победы – красное знамя, водруженное 30 апреля 1945 года над рейхстагом в Берлине. Также в музее представлены Книги Памяти – 385 томов с именами всех погибших на войне.
Сегодня мемориальный комплекс на Поклонной горе и Парк Победы являются памятниками подвигу и символами победы русского народа над фашизмом.

8 мая 1949 года на территории Трептов-парка в Берлине состоялось торжественное открытие памятника «Воинам Советской Армии, павшим в боях с фашизмом».
Там похоронено около пяти тысяч советских воинов. Этот грандиозный мемориальный комплекс – самый большой и самый известный из подобных памятников в мире наряду с Мамаевым курганом в России.
Центральным монументом в комплексе является памятник Воину-освободителю – это фигура советского солдата, в одной руке которого – меч, разрубающий фашистскую свастику, на другой – спасенная из развалин поверженного Берлина маленькая немецкая девочка. В основании памятника расположен мавзолей. С учетом высоты холма и цоколя общая высота монумента составляет около 30 метров.
Работа над мемориалом была начата в 1946 году, и возводился он в течении трех лет. Авторский коллектив возглавляли архитектор Я.Белопольский и скульптор Е.Вучетич. Фигуру Воина-освободителя изготовили в Ленинграде – 13-метровый памятник отлили из бронзы весом в 72 тонны. В Берлин его переправляли частями водным путем.
Прототипом Воина-освободителя стал Николай Масалов, но позировал скульптору другой солдат – Иван Одарченко из Тамбова, служивший в Берлинской комендатуре. Его Вучетич заприметил в 1947 г. на праздновании Дня физкультурника. Иван позировал скульптору в течение полугода, а после того, как памятник установили в Трептов-парке, несколько раз стоял в карауле возле него.
Идеей для композиции памятника послужил реальный сюжет: 26 апреля 1945 г. сержант Николай Масалов во время штурма Берлина вынес из-под обстрела немецкую девочку. Сам он позже так описывал эти события: «Под мостом я увидел трехлетнюю девочку, сидевшую возле убитой матери. У малышки были светлые, чуть курчавившиеся у лба волосы. Она все теребила мать за поясок и звала: «Муттер, муттер!». Раздумывать тут некогда. Я девочку в охапку – и обратно. А она как заголосит! Я ее на ходу и так, и эдак уговариваю: помолчи, мол, а то откроешь меня. Тут и впрямь фашисты начали палить. Спасибо нашим – выручили, открыли огонь со всех стволов». Сержант был ранен в ногу, но девочку донес до своих.

7 мая в 1833 году родился Иоганнес Брамс - немецкий композитор и пианист, один из главных представителей периода романтизма.
Он не написал ни одной оперы, однако работал практически во всех других жанрах.
Особенную славу доставили Брамсу его симфонии. Уже в ранних своих работах он выказал самобытность и самостоятельность.
Самой выдающейся музыкой, в которой творческая сила Брамса сказалась особенно ярко и оригинально, является его «Немецкий реквием».
В 14 лет Брамс впервые выступил публично как пианист с сольным концертом. В апреле 1853 года он отправляется в турне с венгерским скрипачом Э. Ременьи, во время которой познакомился с венгерским скрипачом, композитором и педагогом И. Иоахимом и с Ф. Листом.
Период его жизни примерно с 45 до 60 лет был для маэстро самым плодотворным: он написал четыре симфонии, скрипичный концерт, Второй фортепианный концерт, более 200 сольных песен, сделал свыше 100 обработок народных песен.
Почти всю жизнь Иоганнес Брамс страдал от близорукости. Однако, несмотря на то, что видел он действительно плохо, композитор всё равно отказывался носить очки. Он утверждал, что благодаря слабому зрению от него “ускользает много того, что и видеть-то не стоит”.
Немецкий композитор обожал чистить свою обувь. Он уверял, что в данный момент в его голове рождаются самые прекрасные мелодии.
Великий композитор никогда не был женат, и не оставил после себя прямых потомков.
К концу жизни Иоганнес Брамс и вовсе стал очень нелюдимым человеком, он избегал светских мероприятий и встреч. Однажды организаторы мероприятия предложили ему в знак уважения ознакомиться со списком гостей и вычеркнуть оттуда тех, кого он не хотел бы видеть. Брамс поблагодарил их и вычеркнул одно-единственное имя – своё собственное.

6 мая в 1880 года родился Эрнст Людвиг Кирхнер - немецкий художник, график и скульптор, представитель экспрессионизма.
В 1905 году четыре студента архитектурного факультета Высшей технической школы в Дрездене – Эрнст Людвиг Кирхнер, Фриц Блейль, Эрих Хеккель и Карл Шмидт-Ротлуф – образуют группу „Мост“, с которой началось становление немецкого экспрессионизма. Позднее к ней присоединились Василий Кандинский, Август Маке, Алексей фон Явленский.
В октябре 1911 года Кирхнер переехал в Берлин, где для художника открылась масса новых тем, которыми так богат большой город. Одной из них была жизнь городских улиц, его архитектура – именно на этих темах сосредоточивался художник. Современный город на картинах Кирхнера – опасный, развратный, рискованный, грязный. Это город одиночества и отчаянья, город, в котором траектории пути пешеходов не пересекаются, а взгляды скользят мимо друг друга. Искаженная перспектива улиц и площадей заставляет здания, людей, трамваи дыбиться, неестественный искусственный свет ночного города искажает лица и цвета. Ощущение опасности стирается только в поздних пейзажах Кирхнера, написанных в Швейцарии, но это все же мистический, трагический мир, зыбкий и такой же одинокий, как большой город.
Одной из ведущих фигур его картин была кокотка, которую Кирхнер неизменно рассматривал как главный персонаж жизни большого города.
К концу 1920-х годов Кирхнер стал тяготеть к абстракции. В 1933 году в Берне состоялась первая ретроспектива его работ.
В 1937 году художник был причислен нацистами к представителям так называемого «дегенеративного искусства». 639 его картин были удалены из немецких музеев; часть их была уничтожена, а 25 из них демонстрировались на показательной выставке «дегенеративного искусства», которое лично Гитлер объявил «оскорблением нации».
Такое поношение повергло чувствительного Эрнста Людвига КИРХНЕРА в депрессию, он стал сомневаться в самом себе. 15 июня 1938 года это закончилось добровольным уходом 57-летнего художника из жизни.

5 мая в1856 года родился Анри Эдмон Кросс (Анри Эдмон Делакруа) - французский художник, один из крупнейших представителей неоимпрессионизма (пуантилизма).
В 1881 году художник впервые выставил свои работы в Салоне под английским именем – Кросс, которое он выбрал, чтобы его работы не путали с работами другого художника – Анри-Эжена Делакруа, также выставлявшегося в Салоне в это же время.
Ранние работы написаны Кроссом в реалистической манере, «тяжёлым» цветом, и лишь попав под влияние Моне и Сёра, он начинает писать свои картины лёгкими, яркими красками.
Художника называют неоимпрессионистом второго поколения. Он не стоял у истоков дивизионизма, а принял главные идеи Жоржа Сёра и Поля Синьяка - и через некоторое время во многом их изменил. Кросс пишет раздельными мазками, но уже не рассчитывает обмануть глаза зрителя и создать эффект смешения цветов. Его живопись нарочито раздельна - между мазками иногда даже просвечивает незакрашенный холст.
После того, как Кросс в 1884 году вместе с Синьяком и Сёра основывает «Салон Независимых», он принимает пуантилистскую манеру живописи, однако свои маринистские произведения, обнажённую натуру и портреты выполняет большими, широкими мазками кисти. В эти годы основной темой работ Кросса были парижские жанровые сценки и пейзажи.
Кросс приглашает погостить в свой дом живущего неподалеку Синьяка и молодых Анри Матисса и Андре Дерена. Именно живописная манера Кросса, преобразившего пуантилизм до декларации чистого цвета, окажет мощное влияние на будущих художников-фовистов.
Нередко работы художника появляются на аукционах. Самой дорогой считается картина «Антиб», проданная за 8 187 500 долларов США.

4 мая в 1852 году родилась Алиса Лидделл (в Вестминстере, Лондон, Великобритания), прототип персонажа Алисы из книги «Алиса в стране чудес».
Прожившая долгую жизнь английская дама вошла в историю как 7-летняя девочка, вдохновившая математика Чарльза Доджсона на выдумывание удивительной истории о приключениях Алисы.
Алиса росла в большой семье декана одного из факультетов Оксфорда. Однажды, на лодочной прогулке 4 июля 1862 года, она попросила своего друга Чарльза Доджсона сочинить историю для неё и её сестер.
Доджсон, которому и раньше приходилось рассказывать детям Лиддела сказки, придумывая события и персонажей на ходу, с готовностью согласился. На этот раз он поведал сестрам о приключениях маленькой девочки в Подземной Стране, куда она попала, провалившись в нору Белого Кролика. Главная героиня очень напоминала Алису (и не только именем), а некоторые второстепенные персонажи – ее сестер Лорину и Эдит.
История так понравилась Алисе Лидделл, что она попросила рассказчика записать её. Доджсон обещал, но все равно напоминать пришлось несколько раз. Наконец он выполнил просьбу Алисы и подарил ей манускрипт, который назывался «Приключения Алисы под землёй» (примерно восемнадцать тысяч слов) была написана Кэрроллом от руки и украшена тридцатью семью собственноручно сделанными рисунками.
Позже автор решил переписать книгу. Для этого весной 1863 года он отправил её на рецензию своему другу Джорджу Макдональду. В книгу были добавлены новые детали и иллюстрации. Новую версию книги Доджсон преподнес своей любимице на Рождество.
В 1865 году Доджсон опубликовал книгу «Приключения Алисы в Стране Чудес» под псевдонимом Льюис Кэрролл. Вторая книга – «Алиса в Зазеркалье» – вышла шестью годами позже. Обе сказки, которым уже значительно больше 100 лет, популярны и поныне, а рукописный экземпляр, который Доджсон подарил когда-то Алисе Лидделл, хранится в Британской Библиотеке.

3 мая в 1870 года родился Александр Николаевич Бенуа, русский художник «серебряного века», живописец, график, искусствовед, художественный критик, автор многочисленных литературных трудов, блестящий декоратор. Основатель и главный идеолог объединения «Мир искусства».
Он был одарен исключительной музыкальностью, обладал редкой зрительной памятью. Работы, созданные им в глубокой старости, «рисунки-воспоминания», указывают на поразительную стойкость и силу его жизненного восприятия.
Александр Бенуа был душою «Мира искусства» и непременным участником журнала. Он не окончил Академию художеств, считая, что художником можно стать лишь непрерывно работая. Исключительная трудоспособность позволяла ему за один день заполнить альбом рисунками, поработать в мастерской над начатой картиной, побывать в мастерских театра, вникая в детали эскизов декораций и костюмов, в режиссуру и даже в проработку ролей с актерами. Кроме того, Бенуа успевал подготовить статью в журнал или газету, написать несколько писем с интересными мыслями об искусстве и всегда содержательных.
Высшим достижением книжной графики явились иллюстрации к поэме А.С. Пушкина «Медный всадник»; над ними художник работал более 20 лет. Уникальная по художественным достоинствам, темпераментности и силе, только одна эта работа могла дать Александру Бенуа имя крупнейшего художника начала XX века.
Он был также известным театральным, деятелем. Начинал работать с К. Станиславским, а после Октябрьской революции вместе с А. Горьким участвовал в организации Ленинградского Большого драматического театра, для которого создал ряд блестящих спектаклей. Оформление «Свадьбы Фигаро», поставленной в 1926 году, – последняя работа Бенуа в Советской России. Он много работал в Милане в знаменитом театре «Ла Скала».
Один из наиболее активных деятелей и организаторов (вместе с Дягилевым) гастролей русского балета в Париже, Александр Бенуа более всего заботился, чтобы эти спектакли способствовали мировой славе русского искусства.
Работая для кинематографии, он обращался к образам Достоевского, к русским темам. В музыке страстно любил Чайковского, Бородина, Римского-Корсакова.

2 мая в 1884 году родился Николай Петрович Крымов-один из лучших русских пейзажистов XX столетия, крупный теоретик живописи, педагог. Народный художник РСФСР.
Одаренный от природы, получив от отца хорошую профессиональную подготовку, он в 1904 году блестяще выдержал конкурс (15 человек на место) в училище. Занимался у Л.О. Пастернака, А.Е. Архипова, А.М. Васнецова, Н.А. Касаткина, а также в мастерской В.А. Серова и К.А. Коровина.
Признание пришло к нему рано: ещё, будучи учеником, приобрел известность в художественных кругах. В 1906 году был приглашен участвовать в выставке Союза русских художников, а через год Совет Третьяковской галереи по предложению Серова приобрел этюд Крымова «Крыши под снегом».
Его не манила романтика дальних дорог, не интересовали поездки за рубеж. Для творчества вполне доставало того, что было рядом, что он постоянно видел, что с детства любил. Родное Подмосковье, Звенигород, некогда пленивший и Левитана. Таруса с ее живописными окрестностями, любимая многими русскими художниками, и сама Москва – вот и вся несложная география крымовских пейзажей. Огромное влияние на художника оказал Левитан, которого он считал своим кумиром.
С 1910 года Крымов занимался сценографией, оформлял представления в Петербурге и Москве – в «Доме интермедий» и литературно-артистическом кабаре «Бродячая собака». Выполненные им декорации и костюмы к «Горячему сердцу» А.Н. Островского для МХАТа Константин Станиславский считал классическими: «В них так верно передан быт купечества, так много смелой выдумки, острого гротеска, тонкого юмора».
В течение последних 30 лет Крымов с ранней весны до поздней осени живет в Тарусе, на берегу Оки. В многочисленных пейзажах запечатлен на редкость живописный приветливый городок и его окрестности. Работы художника – это гимн красоте жизни, красоте земли, и в этом их глубоко гуманистический, патриотический характер.

1 мая – Праздник Весны и Труда. Сегодня предлагаем посмотреть, каким видели этот праздник художники.
1) Почти все художники изображают Первомай как общественный праздник. На картине «Мама, парад начался!» молодая женщина ещё прихорашивается перед зеркалом.А сынишка, одной рукой сжимая красный флажок, другой нетерпеливо тянет ее за подол. Нужно поспешить, иначе пропустишь самое интересное – парад.
2) Первомай, который можно узнать лишь по обилию красного. Василий Купцов — выпускник мозаичного отделения Псковской художественно-промышленной школы грезил небом. Любимая тема — авиация. И первомайская демонстрация, по Купцову, с высоты птичьего полета — сплошные эмоции. Ни политики, ни идеологии. Только настроение праздника.
3) Свежий весенний ветер, аромат цветов, улыбки. Молодостью и силой веет от людей, изображенных на картине Юрия Кугача "Первое мая". Их трудовой путь только начинается, и столько ещё предстоит сделать!
4) Май, который лишь звучит по-весеннему. Тулупы, шапки, снег, олень и представители коренных народов Севера. Яркое пятно транспаранта среди деревянных домишек. Таким Первомай выдался для художника Федора Модорова. Художник предпочитал тона соцреализма и, будучи в гостях у самоедов, написал суровый Первомай.
5) "Дружба народов" - попробуйте представить этих людей обнаженными, и сразу поймете, что их место не в советской реальности, а в Древней Греции. Но они оказались здесь, на эпическом полотне Степана Карпова, в костюмах рабочих, революционеров и крестьян. Он изображает обобщенный образ народа, строящего новую страну.
6) После убийства С. М. Кирова в живописи и скульптуре появилось множество посвящённых ему произведений. А. Н. Самохвалов пишет первую в своём творчестве картину-панно «Киров принимает парад физкультурников». В СССР парады физкультурников с с 1936 года в Москве начали проводиться Всесоюзные физкультурные парады. В них участвовали физкультурники всех союзных республик.